西方音乐史及作品欣赏名词解释参考答案四音音阶 古希腊音阶的基础是四音音阶。它自上而下排列，两端的音构成固定的四度音程，中间的音程可以变化，从而形成三种不同的四音音阶：自然音的 MiReD oS i半音的 Mi 一#D OD oS i等音的 Mi 一 D o 一D oS i抒情诗 抒情诗来源于民歌，最早是歌唱的，常用里拉伴奏，抒情诗作者有：特尔潘德，他也是一位基萨拉琴演奏高手，他的诗歌庄重和谐，具有古代遗风；提尔泰俄斯是诗歌与合唱歌曲作者，以写战歌著名；贵族女诗人萨福，以写爱情抒情诗著名；品达罗斯是合唱诗歌的著名代表，他的合唱往往用于各种集体性的节庆仪式场合。音乐的体制 中世纪早期哲学家波依蒂乌的著作，书中对古希腊的音乐理论做了详细的论述，对中世纪的音乐理论产生了直接的影响，这些理论包括了关于音、音程、音阶和调式的重要概念。圣咏 大部分现有的中世纪音乐都是基督教(实际上是天主教)的仪式音乐，这些音乐有各种各样的名称，它可以被称为平咏、素歌、格里高利圣咏或者只叫圣咏。朱比勒斯花腔 “哈利路亚”用于弥撒仪式的升阶经和读福音书之间，用花腔式的和应答圣歌的唱法由独唱与唱诗班轮流演唱。它有反复和长拖腔，构成三部性结构：哈利路亚一诗节一哈利路亚，在哈利路亚一词之后的长拖腔叫做“朱比勒斯花腔”。特罗威尔 十二世纪中叶，在特罗巴多的影响下，法国北部也形成了一个游吟诗人聚集的中心。这些游吟诗人被称为“特罗威尔”，他们用现代法语的前身(奥依语)写作，在歌曲的形式和内容上几乎是完全模仿特罗巴多，但也形成了自己的一些特点。这些歌曲盛行于 11701240 年间。奥尔加农 九世纪末，正当圣咏的记谱开始增多时，同时唱两个不同音高的现象便出现了。这种唱法被称作“奥尔加农”，是西方复调音乐的祖先。它被看作一种特殊的演唱实践，这种实践最初似乎是在成人与儿童同时演唱圣咏时自然地产生的。人们发现，一首圣咏可以通过下方增加一个平行四、五度的声部得到装饰而使之显得突出，音响也可以通过上下方八度的重叠而变得更加协和。佩罗坦 佩罗坦是巴黎圣母院复调第二个阶段的代表人物，他是迪斯康特的最佳作者，作有很多三或四声部的作品，以运用迪斯康特手法的克劳拉段落为主，取代了过去的两声部奥尔加农。经文歌 13 世后半叶最流行的复调体裁是经文歌。它是从巴黎圣母院复调音乐中运用迪斯康特手法的段落一克劳苏拉派生而来的。在那里原来无词的上方声部在加上新的歌词后，便被称作经文歌。最典型的经文歌有三个声部，上方两声部可以各自采用世俗内容的歌词。“新艺术”： 14 世纪，法国音乐中出现了新的风格，包括一些新体裁的确立、作曲方法的标准化和记谱法的进一步发展。这种新风格的代表人物之一，法国作曲家和诗人菲利普德维特里在 1325 年前后完成了一本名为新艺术的理论著作。虽然该书主要讨论了记谱法的革新，但它的影响却是深远的。后来，一些音乐理论家便采用“新艺术”这个词来特指 14 世纪(特别是早期和中期)的法国音乐，以区别于 12 世纪末到 13 世纪的”古艺术”时期。英国迪斯康特 15 世纪英国作曲家在声部之间不仅采用音对音的对位手法(即“迪斯康特”)，而且允许自由地运用三、六度音程，使音乐具有一种更加平易、单纯和悦耳的音响。当时，这种手法对欧洲大陆的勃艮第乐派产生了很大影响。定旋律弥撒 这是 15 世纪主要的弥撒曲形式，其中所有乐章都与一个借用的旋律相结合，这个旋律通常是圣咏，由支撑声部陈述，形成了对位的基础。同时，这种手法也保证了弥撒套曲各乐章之间的统一。佛兰德乐派 佛兰德乐派是继勃艮第乐派之后的又一个文艺复兴时期的重要乐派，它出现于 15 世纪下半叶到 16 世纪中叶的佛兰德地区，这是欧洲西北部的一个历史上的地区，包括法国北部的一部分、比利时西部和尼德兰(荷兰)沿北海的西南部地区。佛兰德乐派作为文艺复兴时期的一个时间持续较久的乐派，涌现了较为众多的作曲家，其中的主要代表人物有、奥克雷赫特、若斯堪和拉絮斯等人。众赞歌 众赞歌是路德教会的赞美诗。它的歌词通常是分节体的德文诗歌，配以单声部的旋律。路德自己为早期的众赞歌写了很多歌词，可能也写了其中的一些旋律。在音乐上，一首典型的众赞歌是短小的，旋律易于演唱。有新创作的，也有用格里高利圣咏改编的，还有一些用流行的世俗旋律填词而成。这些众赞歌很快便成为一些作曲家进行复调创作的基础，对后来西方音乐的发展产生了深远的影响。帕勒斯特里纳 帕勒斯特里纳是 16 世纪“对应宗教改革时期”的一位重要的意大利作曲家。他一生的大部分时间都在罗马度过，并创作了大量的宗教音乐作品，这些作品被认为是宗教音乐的典范之作，代表了文艺复兴时期复调音乐艺术的一个高峰。意大利牧歌 (16 世纪)1520 年代，一种新型的世俗歌曲出现在意大利北部，这就是牧歌。从 1530 年到1600 年，先后有两千多卷牧歌集出版，这促使意大利牧歌的影响遍及欧洲，也使它成为 16 世纪意大利最重要的世俗音乐体裁。它通常是四或五声部的合唱，注重音乐对歌词的表现。奥菲欧 蒙特威尔第在 1607 年为曼图瓦宫廷创作了他的第一部歌剧奥菲欧，同样取材于希腊神话中奥菲欧和尤丽迪茜的故事。全剧由五幕组成，每一幕表现情节发展的一个阶段，蒙特威尔第所写的音乐包含了多种多样的声乐和器乐的风格，使之成为早期歌剧的一部杰作。清唱剧 清唱剧是十七世纪产生在意大利的一种声乐体裁。它采用宗教题材，歌词是拉丁文或意大利文的；它不需要舞台表演，情节由一个叙述者进行描述；它通常分为两大部分，用一段布道把它们分开；它的风格和歌剧很接近，除了宣叙调、咏叹调和乐队部分，合唱在其中占有更重要的地位。室内奏鸣曲 室内奏鸣曲是一种巴罗克时期器乐合奏的乐曲，它由一些风格化的舞曲构成，是古组曲的前身，这些舞曲通常包括：阿拉曼德舞曲、库朗特舞曲、萨拉班德舞曲和吉格舞曲 o赋格的艺术 巴赫在晚年的一部重要的器乐作品，在巴赫逝世时尚未完成，其中包括用一个主题创作的一系列赋格曲。巴赫在这部作品中囊括了对位法的各种技巧，如卡农、倒影、逆行、减缩、扩张和密接合应等等，实际上对自己一生的复调创作进行了最后的总结 o喜歌剧 喜歌剧是前，古典主义时期在意大利首先出现的一种新型的歌剧形式。它通常包括的角色不多，常对喜剧性的人物进行讽刺，脚本多采用现实题材，通常用方言写成。咏叹调的旋律比较简单而动听，并使用宣叙调(其它国家的喜歌剧使用对白)o 喜歌剧的出现代表了对正歌剧的一种反抗，它的历史意义在于顺应了“启蒙运动”要求艺术“返回自然”的趋势，丰富了歌剧的表现形式，并在某种程度上预示了音乐中的民族主义双呈示部 在古典主义暑期的协奏曲中，第一乐章的奏鸣曲式通常有两个呈示部，第一个呈示部由乐队演奏，主要主题和副部主题始终都保持在主调上；第二个呈示部由独奏乐器演奏，副部主题转入属调。莫扎特的海顿四重奏 莫扎特有六首弦乐四重奏是献给海顿的，它们是成熟的古典风格的杰作，作于178285 年，是莫扎特到维也纳以后的作品，其中运用了持续的主题发展和大量的对位织体，并使四个乐器之间的对话更加平等。费德里奥 是贝多芬唯一的歌剧，1804 年到 1805 年创作，1806 和 1814 年修改。贝多芬在这部歌剧中表达了和英雄交响曲类似的革命精神。情节围绕着女主人公雷奥诺拉展开。她女扮男装，到监狱中营救她的丈夫。崇高的勇气和自我克制的主题通过贝多芬具有英雄气概的音乐表现出来。歌剧三易其稿始获成功，贝多芬为它先后写的四个序曲经常在音乐会上单独演奏。未完成交响曲 舒柏特创作的交响曲。它虽然只有两个乐章，但从乐思的表现上看，已经相当完整。乐曲深刻地表现了 19 世纪初奥地利黑暗的社会环境给舒柏特带来的孤独和压抑，以及大自然给他带来的慰藉。这部作品的主题非常抒情，配器也很有色彩性，是一首典型的浪漫主义交响曲。马祖卡 在肖邦的创作中，马祖卡舞曲是与他的民族根源有着特别显著联系的一种体裁。这种舞曲融合了3 种波兰民间舞曲的因素，肖邦在自己的 55 首马祖卡舞曲中利用了这些舞曲的不同特点，常在一首作品中将它们并列以形成艺术上的对比，或者非常自由地发展这些特点，创作出各种各样的富于诗意的作品来，其中有些像一幅民间风俗画，有些把我们带到了豪华热烈的舞会，还有些已近乎揭示内心世界的抒情音诗了。交响诗 李斯特一共创作了 13 首交响诗。他发明了交响诗这个词，用来指不严格遵守古典曲式和以某种文学性或描绘性的乐思为基础的管弦乐作品。如匈奴之战来自绘画，玛捷帕来自诗歌，哈姆雷特来自戏剧，普罗米修斯和奥菲欧来自神话等等。有些最初是作为音乐会序曲(如塔索、前奏曲等)或利用早期作品扩展而成(如玛捷帕等)。这些作品通常是单乐章的，它们的结构常由标题内容来决定。主导动机 瓦格纳在他的乐剧中运用的一种手段。这是一种与特定的角色、物体或思想有联系的反复出现的音乐动机，它有助于使音乐和戏剧的统一。乐剧中的主导动机经常构成一个密集的网，既可以通过它们之间的类似暗示它们的关系，也可以通过它们的变形或其它主导动机的对位结合来暗示情节发生的变化。强力集团 强力集团是由五位俄国作曲家组成的创作小组，也叫做五人团，其中包括巴拉基列夫、包罗丁、居伊、穆索尔斯基和里姆斯基科萨科夫。他们从 19 世纪 60 年代开始经常在一起聚会，分析和评论音乐名作，对作品和创作思想进行交流和探讨。他们都生活在俄国废除农奴制前后的社会运动高涨时期，受到车尔尼雪夫斯基等人的革命民主主义思想的影响，决心继承格林卡的道路，继续推进俄国音乐的发展。他们主张利用俄国民间音乐中的旋律、音阶、复调等各种独特的因素，创作出一种具有明确的俄罗斯风格的音乐作品。普契尼 十九世纪意大利歌剧的最后一位代表人物是普契尼。他的一部分歌剧属于真实主义流派，另一部分作品则是浪漫主义的，还有一些作品表现了对异国情调题材的兴趣。他特别擅长用旋律动人的咏叙调细致地刻划人物的心理，也很善于利用和声与配器的色彩烘托戏剧气氛，同时，他还借鉴了二十世纪初的一些新的作曲手段，从而在世纪之交将意大利歌剧的优秀传统发展到了一个新的阶段。全音阶 由全音音程构成的音阶，法国的印象主义作曲家德彪西很爱使用这种音阶，以使他的音乐更适合表现细微的情感变化。由于这种音阶回避了半音的倾向性，具有一种游移不定的独特魅力。十二音体系：是无调性音乐进一步发展的结果，十二音体系的基本方法是由作曲家选用半音阶的 12 个音自由组成一个序列以它的逆行、倒影、倒影逆行四种形式组成一首都出现以前，不得重复其中任何一音。这些音列可移置在半音阶的任何高度。新古典主义音乐特征：它的基本特征：一、美学方面：它要求艺术整体的各个方面的均衡、完美、稳定。二、情感表现方面：它追求适度的、有控制的、理智的、普遍的感情。三、形式和结构方面：1、提倡复调音乐；2、调性明确；3、节奏均称；4、配器清晰、透明，不象浪漫主义那么浓郁，也不象印象主义那么讲究色彩。四、在音乐与其他艺术的关系方面；提倡“纯音乐”。音块：（音群）是由一群邻近的音同时发声而形成的。它不突出个别的音的重要性，而强调一群音的整体效果。最早有意识地把音块作为一种表现手段的是美国作曲家尼威尔，钢琴曲马瑙瑙的潮水。念唱音乐：介手歌唱和说话之间的一种发声法。最著名的例子是勋伯格的月迷彼埃罗，作曲家要求演员“必须按指定的音符的音高开始，然后立即转化成或开或降的说话的音调。”实用音乐：1920 年代出现于德国，指一种适用于业余音乐爱好者在家庭、学校及非正式集会等场合演奏演唱的音乐。实用音乐形式不大，风格简单明快。兴德米特首先倡导实用音乐。韦尔也是指忠于“实用音乐”的作曲家。音色旋律：勋伯格在他的和声学中所创的术语，指把变化音色用于一个音高层次或不同音高的作曲方式。勋伯格在他的五首答依乐小品中用了这种手法，它也成为贝尔格、威伯恩等的创作特征，他们的目的是把音色确立为音乐作品中的一个结构要素。室内歌剧