摄影小白进阶必看 新手必备 用线条营造空间感 线条透视的原理是人们观看景物有“近大远小”的视觉效果。首先，最明显的例子是我们在观看两条平行线条时，线条 在远方汇聚，最终消逝在地平线上。其次，我们观看景物的位置不同、景物与景物之间的位置不同，线条透视的透视比也不同。 线条透视存在于我们观察的全部景物上，明的线条简单感觉到，暗的线条经常忽视。当然，这是需要我们去发觉一切可能存在并可以成为你创作的线条。 一、影响透视关系的因素 以前我在学习素描画人像时，就画不好人像的线条透视关系，由于这里线条透视是暗的，不简单表现。摄影人像就不用焦急了，照相机自然的把这种透视关系表现好。 但是在风光摄影中要想表现好景物之间的线条透视并非易事， 需要对我们这些明的、暗的线条透视来进行了解。 影响透视关系的因素主要有两方面： 1、被摄体与拍摄位置 的关系，离拍摄物体越近，透视效果越明显。 2、在被摄体与拍 摄位置不变的条件下，镜头焦距越短，透视效果越明显，反之则透视效果不明显。 二、利用线条表现透视关系 线条是表现透视关系最直接的方法，线条向远方汇聚，既可以吸引我们的目光由近及远，而线条越来越窄又可以表现出近大远小的视觉效果。建筑物的线条都可以关心建立这种视觉 感受，所以我们会发觉从正面拍摄建筑物，不简单产生透视，而从45度角的方向就很简单产生透视感觉了。 简洁的画面也可以很有空间感，有线条来组成的创意构图，这是以水中的建筑物的倒影组成线条透视来引导视觉中心，营造二维画面上的空间感，此图若无水面中的倒影，看起来可能就会很平，有了这些有秩序的线条看起来就会有空间感。 三、合理支配景别 我们会发觉当你离拍摄物体越近时，会加强这种透视感， 假如你盼望弱化这种感觉就与被摄体的距离远一点。一幅表现 透视感胜利的风光摄影作品，应当在近景、中景和远景保持协调。有些影友拍摄的照片，尤其是远景大场面的照片总觉得 “平”，空间感不强，这是由于没有支配近景、中景，只有远景。 我们了解了透视的原理之后，应当明白，所谓“近大远小”， 就是要在近景、中景和远景都支配景物，否则无法形成这种对比关系，观者也就无法从你的图片中感受到空间的存在。一般通常的做法，我们常常看到有些摄影师将不远处的树枝和小草 纳入镜头形成前景，立刻使画面的空间感陡增。 画面中礁石之间根据“近大远小”的线条透视排列着，前景的礁石距离拍摄位置近， 看起来较大；远景的礁石尽管较大，但是距离拍摄位置远，在线条透视的作用下，看 起来显得小了。利用线条透视来处理前景、中景、远景之间的关系，使画面构图看起来有条理、有秩序。 四、变换焦距转变透视关系 转变镜头焦距是比较简单把握的方法，这样的视觉感受非 常直观。广角镜头能够夸大透视关系，它使物体与物体之间的距离比我们眼睛看上去要大，使空间延展，物体的比例关系也 被夸大，而长焦镜头则相反，它使空间被压缩，使前后物体的 比例对比减弱。从而减弱了空间感。在远景的状况下，转变镜头焦距不能转变透视，画面中在只有远景的状况下，线条透视被减弱。由于此时 没有前景、中景进行对比。转变镜头焦距只是转变了视角，没有转变透视。假如转变透视要通过前后、左右、上下、凹凸，转变拍摄位置达到转变透视关系的目的。 五、主观加强线条透视的方法 1、相机靠近景物，以小光圈拍摄。对于摄影构图来讲，在点与线结构层面上形成的线条汇聚是主观加强线条透视效果的基本手段。 2、依据拍摄对象本身的线形状况选择好拍摄角度，以便产生汇聚或重复效果。拍摄位置有正、仰、侧、俯之分，一般来说，正面位置不如侧面位置效果好。仰拍有利于强化高大物体的透视感；俯拍有利于表现平面线条的透视感。 3、充分运用前景来增加近大远小的线条透视效果。 4、运用短焦距镜头拍摄。这种镜头拍摄的画面本身就产生近大远小的效果，从而加强画面线条的汇聚效果，造成画面深度空间感。 在拍摄的时候，要去发觉明的线条和隐蔽的线条，通过线条的合理支配及景别上的选取上营造画面的空间感，这样就不怕自己拍的照片没有空间感了。在表现画面空间感上还可以利用主体占地面积、镜头凹凸变化、主体位于画面摆放以及主体与背景的距离。其实摄影的空间感最好的表现方式就是尽可能的利用前景，可以在二维的平面上，呈现三维空间。只要你把握以上方法敏捷运用就可以让自己的照片也很有空间感。 新手、业余、专业摄影师常见的问题 不论你进入摄影世界有多久，都必定会遇上问题，我们无法更进一步，就可能来自一些普遍的错误，又或是没有意识到问题所在。马来西亚摄影师Ming Thein的摄影工作涉及商品、野生、纪实、旅游、演唱会及食物等，他共享了自己有关各阶段的问题，并提出解决方向。有一些或者你都听过又或持不同看法，但有不少我看了也觉得获益良多，盼望与大家一起共享。 一、关于摄影新手 1. 主题不清楚 假如你的照片不是一眼就看得明白、清晰主题，就要问自己其实在拍什么。假如你的答案是“想拍XXX”，而XXX在照片里并不突出，那么你就要再尝试拍摄，并且用各种方法，例如对比、颜色、光线、动态、焦点等等，来突出XXX。 有些状况，你想拍摄的并不是实物，在照片里是看不到的，甚至正是它的不存在，那是特别困难而且极度依靠照片的背景信息与脉落，确是较少见的。 2. 透视运用不当 选择透视应先于角度。广角是用来突出及夸张前景主体，长焦远摄则是减低主体从背景中突出。只以广角来拍摄多点东西及用长焦来少走两步，会让照片变得沉闷。 3. 器材错误 这个涉及整体技术上的错误：曝光、对焦、相机摇摆、白平衡等，这些问题通常来自于对相机过度依靠，即是事事依靠自动程序。一部相机永不行能完全把握摄影师想要的影像，拍摄者必需自行掌握一系列设定，才能够得到正确的照片，并且改善拍摄过程，而非花时间在后期工夫，也可提高影像质素。 二、关于业余摄影师 1. 过份担忧器材 这个问题的病征，就是执着于尽用全部的工具来拍摄每一张照片，又或是信任一件新的器材能改善你的作品但作品的不足却可能源于技术不足。购买太多器材有何问题？你在拍摄时会迟疑不决，你也没时间把握手上的器材。所以购买前先要了解现时的极限，并且确认新的东西将会解决你的问题，否则只是铺张。当然，保藏家例外。 2. 忽视照片边缘 现在100% VF已经越来越普遍，也没什么借口拍出主体意外被裁、树枝突入干扰之类的状况，拍摄时兼顾边缘也是重要的。 3. 颜色问题 有时候惊奇的白平衡或明显错误的颜色，可以为平乏的照片增加趣味，但许多时候却只是破坏了和谐感，尤其是关于肤色与食物。假如你不清晰正确的白平衡，可以后期处理RAW文件，或用灰卡进行手动调整。但不要让相机自动调整，尤其是拍摄JPEG的话，会大大限制了照片的信息量与可调整性。 4. 关于黑白对比 不少人的黑白照片对比过强或是过弱。前者会导致丢失细节、色调范围不足，导致难以辨别主体与背景；后者则令人感到沉闷，就像明明厨师手上有许多美味的配味料，他却只用上一种。 5. 忽视自然边框与引导线 这些简洁有用的小助手无处不在，例如走廊延长出去的引导线就是好例子，可以吸引目光凝视主体；同样它们也可能引离人们的视线，所以在构图时要加倍留意这些细节。 6. 居中构图 很少好看的作品是把主体放在正中间，而有动感的作品，通常在主体前后都保留一些空间，并制造出似乎猜测前进或动作过后的感觉。现在相机都多于一个对焦点，所以你能够弹性地放置主体。 7. 画面欠平衡 虽说把主体放置正中间，通常是种沉闷的构图，但把主体放到左下角，然后其他位置全部都空荡荡，也是不抱负的。所谓视觉平衡并不简单解释，但我们可以直接透过视觉去感受。 8. 错误运用景深 有些人特别沉迷于浅景深，一张接一张只是铁丝网或是红砖墙的作品，没有什么内容，照片只是在展现剧烈的散景。这种照片就像在说：“我依靠器材来制造风格，由于我欠缺想像力。”浅景深没有罪，它可以突出主体，但一张好的照片，往往能够使用其次元素背景，来补充照片的内容和信息，而一堵模糊的墙壁，并无任何信息。所以，我们应当思索，如何平衡景深、突出主体及背景信息的份量。 9. 不当时机与欠缺预备 可能你的技术已经足够，但总是错过精彩的镜头，而唯一解决方法就是不断练习。你需要学习去估计主体的变化，这个需要观看与阅历；同时，你也要对自己作业延时有种直观的熟悉，即是你知道由你想拍摄到按得到快门之间，其实会用上多少时间，然后习惯于这个节奏和速度，以精确拍摄。 三、关于专业摄影师 1. 创意停滞 当你成为职业，意味着你已经找到一些好的拍摄方程式，甚至可以用来赚钱，然后你就会依靠它、重复它。有什么危急？这个世界有太多人喜爱抄袭人家的创意，见一个意念好，就一窝蜂的跟着做。要在这个世界突围而出，自己就需要不断创新。 同时当职业摄影师会有一个危机，就是大多数客人只喜爱叫你做他们的要求，那些会由于仰慕你的才华，而盼望你自由发挥的客人特别罕见，久而久之，摄影师就会变成相机执行人，多于创作人。 2. 外包太多后期工作 有些专业摄影师，会有一团的助手替他进行后期工作，例如加入创意元素，或进行风格修饰。一来这么做的话，可能总是无法精确做到你的要求，而最大问题时，长此下去你会跟科技脱节，假如那些助手要走了，你怎么办？ 3. 没有尝试新主题 这是个经典辩论：究竟摄影师应当集中一个主题成专才，还是应当拍摄全部东西变通才？最抱负状况就是你有一个可达商业水平的题材，然后你有足够基础拍摄其他主题。理由有二：第一，你有机会赚更多的钱，由于你可以给客人额外东西；其次，不同主题需要不同技术，而这些技术有机会跨题材来到提升你的事业。 4. 太多工作 这是有点吊诡的，由于你有才能，所以有许多工作，但由于工作太多，你没有机会拍摄自己喜爱的东西、进行其他创作，所以你的事业也因此下滑。不过，又可能当你事业下滑时，你就有多一点时间，去尝试新的东西。平衡你的工作与自己的摄影生活，是非常重要的。 新手入门必修学分 在拍摄中如何运用ISO 什么是感亮度呢？为什么每次在拍照前，都要依现场的光线来调整感亮度呢？其实，ISO感亮度与光圈、快门，可以说是拍摄时打算曝光亮的三大要素之一。对全部摄影师来说，影像都来自于光的折射，透过光线才能传递出画面的价值。因此，本篇将从入门开头了解ISO感光的运用，再透过实际范例引导进行解说，让你也可以轻松学，简洁拍。 从ISO特性开头谈起 ISO即是大家所常谈及的感亮度，为推断光圈与快门所需数值之重要依据，与曝光值形成三角关系，让进光量相互取得平衡，进而猎取设定标准与良好的拍摄成果。操作时对于每张照片来说，ISO值都会直接影响快门速度与光圈的调配，随着ISO值越高，曝光所需时间也会跟着缩短。举例来说，假如读者在下午进行拍摄时所需正确曝光值为ISO 100，光圈F5.6，快门1/30 秒，此时若玩家将ISO 调整为200，由于光圈不变，所需的曝光时间即会缩短2 倍，从1/30 提升为1/60 秒，成像会相对以更短的曝光时间与削减一半的进光量找到其平衡点，ISO也并不会对光圈造成任何影响。 简洁来说，就是当ISO值越高，则可在相同光源环境下供应更快的快门速度，能有效避开手震状况的发生，让过去如树林