西方现代主义艺术思潮西方现代主义艺术思潮冯黎明冯黎明教授教授印印 象象 派派|印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐约等人。印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中，但他们的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受。印象派画家对瞬间视觉感受，对色彩、氛围、笔触的关注，超-过对社会历史、宗教、伦理的关注，正是在这一方面，他们与此前的欧洲画家走上了不同的艺术道路。他们的作品刚出现时受到已经习惯于古典绘画形式的观众非难，1874年在首届印象派画展上，莫奈的日出印象一画遭到批评，从此以后，“印象派”和“印象主义”就作为一个专有名词来称呼像莫奈这样一批艺术家们的作品。 莫莫奈奈|印象画派代表人物。印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。 克劳德莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。这一点是无庸置疑的，印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为他对光影之于风景的变化的描绘，已到走火入魔的境地。 他对光色的专注远远超越物体的形象，使得物体在画布上的表现消失在光色之中。他让世人重新体悟到光与自然的结构。所以这一视野的嬗变，以往甚至难以想象，它所散发出的光线、色彩、运动和充沛的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统主义。 莫莫奈奈|画面展现的是充满雾霭的早晨，一轮红日冉冉初升，桔红的光影闪烁在银灰色的海面上。远方港口码头的轮廓，在朦胧迷漫的朝雾中影影绰绰。 |画家在这 要表现的是海上日出时光的颤动与色的和谐。现今看来这本没有甚麽值得指责的，然而当时那班充满敌意、维护传统的批评家却挖苦说：“这比毛胚的糊 纸还要粗劣”。|这简直是一次印象主义者的展览！这句带讽喻含义的双关语，反倒使印象主义的声名不胫自走，一群本来默默无闻的青年画家从此名扬天下，而该绘画群体也就有了印象派的鼎鼎大名。 日出日出. .印象印象油画、油画、48644864厘米、厘米、18721872年作、巴黎马尔莫坦美术馆藏年作、巴黎马尔莫坦美术馆藏 莫莫奈奈|画画家希望通过捕捉纯现实的瞬间来选择对象，这种特质无不反射在染遍一切物体的玫瑰空气之中，包括天空、树木、房屋及融入周围风景的人物等。 |在本图中，莫奈使用清晰可辨的无数快速笔触，覆盖在涂底色的颜料之上，其目的不只在於明示形体，也在於捕捉大自然的光的声响。 坐在柳树下的女人坐在柳树下的女人 布画油画 81 x 60（厘米），1880年波斯顿美术博物藏馆 |http:/www.luosen.com/cn/mr/monet.htm这里有莫奈很多作品，欢迎大家欣赏。|有一句关于他的名言：看了莫看了莫奈的画，才知道伦敦的雾是有颜色奈的画，才知道伦敦的雾是有颜色的的 。马马奈奈|马奈Adouard Manet(1832-1883)是法国印象主义画派中的著名画家，是亨利凡汀拉图尔的巴迪侬画室画作中位于中间的那个人，他对欧洲绘画的发展有重要贡献；尽管他从来没有参加过印象派画家的联合展览，仍被认为是印象主义画派的奠基人，很早就被后来的印象派画家们视为大师。这些画家比马奈年轻10岁左右。尽管马奈得到了这个尊称，尽管他与这些年轻画家保持着友好关系并同他们一起外出写生，他却始终拒绝参加印象派组织的画展。由于希望得到官方的承认，他从1859年开始定期将画作送给沙龙评审委员会审查。他参加沙龙的运气时好时坏：有时他成功地被接受，如当他于1861年在沙龙上展出一幅名为弹吉他的人的画作时（现存于美国纽约大都会艺术博物馆），有时又被轻蔑地拒之门外，如当他于1866年向沙龙提交一幅名为吹短笛的男孩的画作时。 马奈的成就主要体现在人物画方面，第一个将印象主义的光和色彩带进了人物画，开创了印象主义画风。马奈早年受过学院派的六年教育，后又研究许多历代大师的作品，他的画既有传统绘画坚实的造型，又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩，可以说他是一个承上启下的重要画家。他的作品（尤其是肖像画）很自然地反映出了人物的性格和心理。吹笛少年用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里我们可以看到莫奈的才气和自负感。此画明显带有日本浮世绘版画的影响。 马马奈奈|维多琳默兰，作为印象派画家马奈及其同时代画家的模特，也许是19世纪最著名的面孔和身体。在马奈的画作奥林匹亚、草地上的午餐中，默兰或裸身躺在床上，或裸身坐在两个男人之间，目光坚毅、淡定还夹杂着些许傲慢，俨然不是被看者，而是一个以反维纳斯的姿态注视着观看者的色情故事的女主角。18621874年间，马奈至少有九幅画以默兰为模特，但即使在女人与鹦鹉和铁路这样的非裸体画作中，默兰依然以惊人的坦率的目光凝望着世界。 草地上的午餐草地上的午餐约约18761876年年 雅姆雅姆••蒂索蒂索 法国法国 118.1cm76.8cm 118.1cm76.8cm 布布 油彩油彩 伦敦泰特美术馆藏伦敦泰特美术馆藏 马马奈奈|吹短笛的男孩画中描绘的是近卫军乐队里的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色的统一时，注意到人物个性特征的刻画。在色彩上追求一种稳定的、几乎没有变化的亮面，然后突然转入暗部，将人物置于浅灰色、近乎平涂的明亮背景中进行描绘，用比较概括的色块将形体显示出来。在这幅画中没有阴影，没有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层次来作画，否定了三度空间的深远感。杜米埃说过马奈的画平得像扑克牌一样。 吹短笛的男孩吹短笛的男孩 1866 1866年年 ,160x98cm ,160x98cm ,布布 油彩油彩 , ,巴黎巴黎 奥赛博物馆奥赛博物馆 , ,爱德华马奈爱德华马奈 法国法国雷雷诺诺阿阿|5岁时全家迁居巴黎，在13岁时已学会画瓷器画的手艺，尔后又学会画屏风，初步掌握了绘画技巧，21岁入巴黎格莱尔的画室学习，在那里的同学有莫奈、西斯莱和巴齐依。他在最初的艺术活动中不仅向前代大师提香、鲁本斯学习，还向同代的柯罗、德 拉克洛瓦、库尔贝学习。|1881年又赴意大利游历艺术名胜佛罗伦萨、威尼斯和罗马等地，当他在罗马看 了拉斐尔的画时感叹道：“真是妙极了，我早该看到它们，这些画显示了真正的艺术技巧和智慧。”这时他的艺术追求倒退到古典主义学院派。他兼收了罗可可和巴洛克两者的娇媚和雄健之风，天衣无缝地融为一体，创造了独有的雷诺阿风格。 阳光、空气、大自然、女人、鲜花和儿童。这就是雷诺阿一生用丰富华美的色彩所弹奏的主题。 雷雷诺诺阿阿|1881年夏天，雷诺阿画了“游艇上的午餐”。从这幅画中我们可以看见雷诺阿的妻子阿莉娜莎丽戈的肖像，她被画在了前景上，玩弄着一只小狗。姣好的女人、美酒、山光水色、文雅的游戏和俏皮的谈话(巴黎生活的主要魅力之一)使雷诺阿又沉浸在当初鼓舞他创作了“红磨坊街的舞会”一画时的气氛里。很自然的，在这种情况下，雷诺阿感不到任何社会限制，他仍旧自由自在地用特有的印象派手法创作，运用着置一切规矩于度外的生动的和梦幻般的构图，比以往更多地突出了个别的形体，使用更鲜明的色彩。可以说，这幅画是雷诺阿印象派时期的最后一幅作品，也是他青春时代的光辉总结。游艇上的午餐游艇上的午餐TheLuncheonoftheBoatingParty,1881 TheLuncheonoftheBoatingParty,1881 Oiloncanvas,129.5x172.7cm Oiloncanvas,129.5x172.7cm ThePhillipsCollection,WashingtonThePhillipsCollection,Washington雷雷诺诺阿阿|“红磨坊街的舞会”是描绘巴黎的一个露天舞会。这幅画既表现了一个狂欢的场面，人们各种各样的幽默类型，又在贵族舞会的场面中企图捕捉一种无忧无虑生活方式的情趣。我们既可以欣赏欢乐的人群的行动，也可以陶醉于舞会之美。但雷诺阿创作此画的兴趣却别有所在，他想呈现出鲜艳色彩的悦目混合，研究阳光射在回旋的人群上的效果。虽然这幅画显得“速写化”，似乎尚未完成。仅仅前景中一些人物的头部表现出一些细节，然而连那里也是用极其违反程式、极其大胆的手法画成的。坐着的那位女士的眼睛和前额处在阴影之中，而阳光照在她嘴和下巴上。她的明亮的衣服是用粗放的笔触画成的。然而这些人物正是我们集中注意的对象。往远处去，形象就越来越隐没有阳光和空气之中。红磨坊街的舞会红磨坊街的舞会131175cm 131175cm 布布 油彩油彩 奥赛博物馆藏奥赛博物馆藏 |http:/www.sumiao.cn/Article_Show.asp?ArticleID=1532这里有雷诺阿的很多作品，欢迎大家欣赏。德德加加|印象画派代表人物。在巴黎出生和去世的爱德加德加是银行家之子.生来便是大资产阶级,他对古典主义的浓厚兴趣和他行为的谨慎似乎与出身十分合拍.不过,他那异常强烈的个性和独立自主的思想却又把他抛入革命阵营.他在美术学院安格尔弟子拉莫特的班级里习画,并且,始终对安格尔极为敬仰.不管他的天才如何演变,他却从不背弃过去.毫无疑问,这种对于人类创造的崇敬,对于行善的明确意识是其性格的基础,也是人们指责他的根源.其画风的演变也比较清楚地表明德加对印象主义采取了一种非常特殊的立场.他的绘画作品都无可争辩地面对着素描严谨、古典之极的艺术.这种手法渐渐地让色彩占据越来越重要的地位.不过,这种色彩始终为现实主义服务.天才的德加赋予它以扩大的视野和独特的画面布局,并永远地离开了学院主义,其作品意义远远超过人们在印象派中给予他的地位 。埃德加德加是印象派中以传统精确素描与印象派色彩风格绝妙结合的画家，被称为“古典的印象主义”。德加自己说他是“运用线条的色彩画家”。 |德加早期受古典主义影响，崇拜安格尔，但天才而敏锐的画家总是紧跟着时代前进，德加一生的作品有深厚的古典主义造型基础，但更多具有浪漫气质，而在千姿百态的人物形象中又体现出自然主义倾向。在绘画本身的语言上-在色彩和线条的表现上，却是浪漫主义进而又是印象主义的。他是一个善于博采众长而又坚持自己见解和艺术方法的画家。 德德加加|这是一幅静物花卉与肖像组合的画，德加以精湛的写实技巧和丰富的色彩仔细地描绘鲜艳的花朵，可谓五彩缤纷。 画家以细小的笔触和透明的色彩，描绘了充满生命活力的、水灵灵的、争奇斗艳的各式花朵。刚过而立之年的德加开始注重色彩在绘画中的意义，精心探索光与色的奥妙，在写生中加入记忆，使画面自然生动。倚在盆花旁的女子倚在盆花旁的女子 德德加加|德加以一种温暖的光给室内以温馨感，以冷灰（绿色墙壁）围住了桔色的手饰箱子，室内的透视给空间以限定。男子处于暗部，面色阴郁，女子背部受光，仿佛在抽泣，地上散落着东西。画家以娴熟的技巧和光色效果，描写了室内环境与室内人物的情绪，色调作为情绪性气氛的渲染，暗示着一种不愉快的事件在室内发生生动。室内室内约约1868-18691868-1869年作年作 81cm116cm 81cm116cm 布布 油彩油彩 费城艺术博物馆藏费城艺术博物馆藏 德德加加|画中右侧男子是画家朋友台斯色丹，左侧女子是演员爱伦安德雷，出于偶然原因，德加为穷困潦倒的朋友画了这幅富有性格特征的肖像。画面笔触粗犷阔大，生动而简练地刻画了两人的精神状态，一杯苦艾酒，反衬出两个失意人的苦楚。构图有些奇特，人物被挤到右上角，大部分空间用来描绘酒吧陈设，这种空旷感与人物的失落感相映成趣，被人誉为是一幅有思想性的叙事画。的声响。 1875-18761875-1876年年作作 法国法国 92cm68cm 92cm68cm 布布 油彩油彩 巴黎奥赛博物馆藏巴黎奥赛博物馆藏 苦艾酒苦艾酒 |http:/www.luosen.com/cn/mr/degas.htm 这里有德加的很多作品，欢迎大家欣赏。凡凡高高| 文森特凡高vincent van gogh(18531890年)出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师之家，24岁之前，曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员。后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。1880年以后，他到处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东莫夫学g，但最后还是决定自学。他克服种种困难，努力按自己的认识表现世界。在1886年以前，他的作品还都处于探索的时期，代表作有吃土豆的人、纺织工等。1886年凡高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎，结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会。从而使艺术眼界大为开阔， 开始以完全不同于过去的方法作画，画面色彩强烈，色调明亮。1888年2月，他同高更结伴同行，到法国南部的阿尔写生作画，长达一年之久。这是他艺术风格形成的最重要的时期，南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵t河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍地高喊： “明亮一些，再明亮一些!” 他和高更这时已经同印象主义的观点发生分歧，却同时对表现主义或者象征主义发生浓厚的兴趣。因此，曾经有过建立“南方印象主义”或者“印象主义分离派”的打算。后来因为2人的关系恶化，高更离去，凡高在发生割下自己耳朵的事件之后精神逐渐分裂。因此，他们没有结成任何团体。1890年，经过圣雷米的德莫索尔精神病院的长期住院治疗，病势稍有好转后，凡高回到巴黎，住在瓦兹河畔的奥韦尔，接受伽塞医生的专门治疗，并勤奋作画，作有伽塞医生肖象、 奥韦尔的教堂等。但是，在1890年10月27日，在同伽塞医生发生争吵之后，突然开枪自杀，结束了自己的生命。 凡高一生留下了丰富的作品，直到去也之后才逐渐被人们所认识。这些作品中作者突出地追求自我精神的表现，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。这样的艺术对20世纪表现主义影响甚深，特别是苏丁和德国表现派画家，从凡高的作品中吸取了不少重要的原则。他是继伦勃朗之后荷兰最伟大的具有世界性影响的画家。但是，当他还活着的时候，一共只卖出过1幅画。 凡凡高高|仅用绚丽的黄色色系组合绘成的向日葵，堪称凡高的化身，也可说是他的代表作。凡高集中精力创作向日葵系列作品时，正是他的艺术成熟时期，此时他非常喜欢使用黄色。对于渴望鲜明色彩的梵高来说，黄色代表太阳的颜色，具有特殊意义；同时，阳光又象征爱情，他以此来表达自己的愿望，我们从中不难看出他坚持使用黄色的用意。凡高以向日葵的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。凡高写给弟弟西奥的信中多次谈到向日葵的系列作品，其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。的确，凡高曾立志当牧师，所以不难想象他以十二这样的数字来表现基督十二使徒的意图。也因此，凡高将南方画室（亦即友人之家）的成员定为十二人，再加上凡高和弟弟西奥两人，一共十四人。他理想中的友人之家，大概就是神和十二使徒的形象吧！对于凡高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，凡高亦如向日葵般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。向日葵向日葵93x73cm 93x73cm 画布油画画布油画 伦敦国家画廊伦敦国家画廊 凡凡高高|他的眉心打结，脸颊消瘦，眼神坚定得望向前方，嘴角紧闭，不见任何放松舒坦的表情，甚至还有一点固执坚持的感觉，再加上凌乱发皱的服装，旋转残绕的背景，益发强化出画中这个男人悲苦愁闷，却又坚定不移的心境。|由整幅画残绕旋转的涡纹，你能猜出这个艺术家是谁吗？没错，是凡高，艺术家使用较冷的浅灰绿色调、红褐色的头发，形成一种鲜明的对比色彩，再加上背景的涡纹，似乎隐隐传达了作者的心境。自画像自画像 47.0 x 35.0 47.0 x 35.0布面油画奥赛博物馆布面油画奥赛博物馆 凡凡高高|这幅画，展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。那巨大的、卷曲旋转的星云，那一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月，大约是画家在幻觉和晕眩中所见。对凡高来说，画中的图象都充满着象征的涵意。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到凡高所乐于提起的一句雨果的话： “上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。 在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵旋涡。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来象是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。 凡高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图象中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突，从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。 星空星空73x92cm 73x92cm 画布油画画布油画 纽约现代艺术馆纽约现代艺术馆 |http:/vincent.hdcafe.net/graphic/graphic.files/graphic.htm这里是凡高全集，欢迎大家欣赏。后后期期印印 象象 派派|“后印象主义”(PostImpresionsm)一词，是由英国美术批评家罗杰弗莱(Roger Fry)发明的。据说，1910年在伦敦准备举办一个“现代”法国画展，但是临近开幕，画展的名称还没有确定下来。作为展览组织者的罗杰弗莱事急无奈，便不耐烦地说：“权且把它称作后印象主义吧”。这一偶然而得的名称，毕竟还切合实际，因为参展者都是印象派之后的画家。以后，“后印象主义”便被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、凡高、高更、修拉和劳特累克等。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。 后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的科学态度。他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。”他所关注的，是在画中通过明晰的形，来组建严整有序的结构。凡高和高更则专注于精神性与情感的表现，其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。 后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。所以，在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。 塞塞尚尚| 保罗塞尚(18391906)生于法国普罗旺斯省的埃克斯镇，他父亲是位制帽厂主，后来成了银行家，这使他能一生专心于艺术。他16岁入埃克斯中学结识后来成为大作家的左拉，3年后升入大学法律系，他坚持要学艺术而赴巴黎入苏伊塞学院学画与毕沙罗交往。他是南方省份的人，装束简陋，外表难看，满嘴难听的土话，人们认为他没有学画的天才，虽有色彩画家的气质，却不幸滥用颜色，因此始终未能考上巴黎高等美术学校。他回到了埃克斯，父亲为他在自己的银行里安排了工作。他23岁时又重返巴黎苏伊塞学校，在以后的3年里几乎年年送画到官方沙龙，但年年落选，后来在毕沙罗的劝说下参加了1874年第一届印象派画展，他却遭到了比其他印象派画家更多的嘲笑与攻击，说他是个走错路的画家，是一个村愚、低能儿，一只用蠢驴的尾巴作画的人，这次失败又使他回到故乡埃克斯。塞尚崇拜浪漫派的德拉克洛瓦，写实派的库尔贝，再加上印象派的影响，在他的脑中便形成了一种特殊的创造力。他宣称要创作一种像古代大师们那样可以进博物馆的永恒艺术。为了强调质感，他采取库尔贝用调色刀作画的方法。他还提出用圆柱体、球体、圆锥体来描绘对象，并且都表现出透视关系，还要把一个物体或平面的每一个面都引向中心，用分解景物，以创造形象的重量感、体积感、稳定感和宏伟感的作品，最后达到简化和几何化的效果。塞尚在新艺术观念指导下创作的画不仅受到官方沙龙的拒绝和舆论的攻击，而且公众也不理解。因此没有人买他的画。失意使他的性格变得更加乖戾，他不能容忍社会的压力和社交界的虚荣，当他纯朴的自尊受到障碍时，内心变得更加痛苦怪僻，觉得世间没有人理解他的艺术思想，有时他也发出自尊自大的言辞:“在法国所有活着的画家中最伟大的是我塞尚。”|塞尚在艺术上是个不被赏识的、孤独的探索者，他也是一个意志坚韧的、孤辟的人，他不是为生活而画，是为画而生活，甚至不为别人画，而完全为自己画。他只在死后20年才赢得声誉，成为画坛巨星，被誉为现代艺术之父。塞塞尚尚|这一幅尺寸较小的画，是画家事先计算好、以缓慢的笔法绘出的。画面上的人物是用强劲有力的笔触直接画上去的，事先未经素描勾勒。肌肉没有传统裸体画所常见的那种粉红色和平滑性，而是互相交错的无数笔触融合在一起后所形成的大理石状纹理。大块绿色和紫色的阴影，为表现女性之细腻肤色所不常用的，但这里却将其躯体完全烘托了出来；同时涂抹于面庞、肘部、膝盖、脚部和手等处的胭脂红色调，也使之显得格外光彩夺目。画家在画完人物后，以深暗的色调对躯体的若干部分给予了浓墨重描，以显现其轮廓。我们由此可见，给外形以分量的笔触感是何等重要。这种笔触时而呈圆形，时而呈类似树叶的影线形，可创造出浓密的网络状和鲜亮的粘稠状，以强调光的存在。相反，人物和树木四周的天空和草地，却通过白、蓝、绿、黄等普通色彩，以流畅的笔法加以处理。 小幅画作上的这些浴女有着非凡的表达力。从她们身上所透出的活力和平衡感，使这幅画成为一件杰作；塞尚通过此作品表达了一种有关户外自然界和生命力的微妙感受。|三浴女三浴女 约作于约作于1875-1877年年油画油画2219cm1982年捐赠所得，奥塞博物馆年捐赠所得，奥塞博物馆塞塞尚尚| 田园诗田园诗这样的画，给人的印象就像是一种摆脱不掉的梦幻景象。塞尚不是一般地欣赏自己的情欲的。他是完全沉醉于情欲之中了，因此，他也不是一般地在画布上描绘这种情欲，而仿佛是在激发观众的情欲。颜色紧张得不得了，不仅天空的蓝色和云彩的黄白色与橙黄色，而且还有前景略染着一点玫瑰色的灰色、黑分棕色都是如此。形体不是借助轮廓或明暗而突出出来的；这是听任画家的感官支使而或隐或现的一大片一大片颜色。这些形体，如果能够得到由明暗颤动所造 成的气氛的衬托，才的可能站得住。可是，物性感和物质的厚实感没有给明暗和空气留下任何余地，所以这些画只能给人以故弄玄虚的印象；它们所表现的，似乎就是一种浪漫主义的幻想，一种脱离现实的欲望。因此，在观众看来似乎是素描的缺陷的那种东西，实际上是由于千方百计一定要超越公认的素描范围，使人物形象具有一种类似云彩或小船的形状的意图所造成的。|田园田园1870馆保罗馆保罗塞尚塞尚法国法国油画油画6581cm奥赛博物奥赛博物塞塞尚尚|塞尚认为，画家创作一幅画，“哪一条线都不能放松，不能留有任何缝隙，以免让感情、光、真实溜了出去”，这是他的创作经验。从静物画水果盘、杯子和苹果，可以看出塞尚的探索精神和画风特色。在这幅画中，物体成了画家借以分析形体和组建结构的媒介。|水果盘、杯子和苹果水果盘、杯子和苹果，塞尚作，塞尚作，1879188218791882年，年，46554655厘米，巴黎，勒内厘米，巴黎，勒内勒孔特收藏。勒孔特收藏。 |http:/www.colorbird.com/design/theoretics/20031009/4,517,0.html这里有塞尚的很多作品，欢迎大家欣赏。高高更更|保罗高更（Paul Gauguin,1848-1903）,与塞尚、梵高同为近代美术史上著名的“后期印象派”代表画家。在高更的创作生涯中充满了冒险与传奇的色彩。为了追求心中理想的艺术王国。他舍弃文明、优裕的生活，远赴南太平洋大溪地寻求他的新天堂。高更在野性未开化的南太平洋岛屿上，自由自在描绘毛利族原住民神话与牧歌式的自然生活，强烈表现他对原始与野性憧憬的自我。高更起伏多变的生活境遇和他同现实不可解决的矛盾，又由于受当时象征派诗人的影响，使他作品的思想内容比较复杂，较为难于理解。但是，他画中那种强烈而单纯的色彩，粗犷的用笔，以及具有东方绘画风格的装饰性，与他在大溪地岛上描绘原始住民的风土人情的内容结合在一起，具有一种特殊的美感。20世纪以来，对原始艺术的再认识与研究极为盛行，更为艺术发展带来新活力，高更是先驱者之一。他主观感受强烈、色彩丰郁的作品，影响后来许多艺术家，更使世界人类产生无比的勇气与喜 。高高更更|现代文明失落的部分是什么？肯定不是极端悲惨的滋味，包括贫穷、饥饿、口渴和相继而生的精神痛苦。但高更，这个充满神奇色彩的艺术家，就是在贫穷和颠沛流离的生活中，营造了人和自然之间的一种神秘魔力。“在蛮荒乐园终老，在棕榈树间漫步、作画，”是他淳朴的向往。这种天然的原始生活，高更找到了，那是1887年，他辗转到风景秀丽的马丁尼克岛上之后，岛上简朴自由、强壮野性的岛民，强烈的热带气候，原始树丛中摇曳的光彩，这一切与他诗人般的气质是如此吻合，他开始摆脱文明社会的束缚，在“异域天堂”寻找属于他的原始意义上的一方净土，开垦他的太阳梦。|我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？| 18971897年年 保罗保罗高更高更 法国法国 139375cm 139375cm 布布 油彩波士顿美术馆藏油彩波士顿美术馆藏 高高更更|18911891年，高更远渡重洋到南太平洋的法属塔希提岛生活和创作，过着年，高更远渡重洋到南太平洋的法属塔希提岛生活和创作，过着土著人的生活。他认为自己具有孩子和原始人的气质，追求原始艺术土著人的生活。他认为自己具有孩子和原始人的气质，追求原始艺术的质朴、天真和神秘感。他的的质朴、天真和神秘感。他的海边海边一画，就反映了他的这种艺术一画，就反映了他的这种艺术追求和浓厚的装饰风格。追求和浓厚的装饰风格。 |海边的两少女海边的两少女（油画，（油画，68926892厘米，厘米，18921892年作，华盛顿国家美术馆藏）年作，华盛顿国家美术馆藏） |http:/www.luosen.com/cn/mr/gauguin.htm这里有高更的很多作品，欢迎大家欣赏。修修拉拉|乔治修拉_(1859-1891)是诞生在科学革命中的最早的新型艺术家-艺术家兼科学家。把文艺复兴传统的古典结构和印象主义的色彩试验结合起来。把最新的绘画空间概念、传统的幻象透视空间、以及在色彩和光线的知觉方面的最新科学发现结合起来。对二十世纪几何抽象艺术有很大的影响。修拉生活在印象主义画派的初期，而且推动了了印象主义的发展。他对色彩的专门研究，使得他的作品层次分明，而他自己也成为新印象画派_“点彩派”的代表。|修拉在画面上将一些黑色块集中起来，而让一些空白的部位显出明显的形状。通过达到完美平衡效果的层次变化和黑白对比，把意想不到的情景展现在我们眼前。他捕捉着光和色，将它们在黑色和白色中复活起来，创造出阴影有利于形体塑造，光亮充满神秘色彩，过渡的灰色显露强烈生命力的世界。和谐的曲线在相互制约着、平衡着，各种形状浮现着，明确地发出光的异彩。 |自西涅克邀请修拉参加印象派，向他炫耀了纯色的优越性后，他们便在画布上堆起与环境、阳光、颜色的相互作用相符合的小圆点来。为了更好地平衡这些因素，并使它们互相渗透到只有极小的差异程度，他们采用了不在调色板上调色，而用小圆点和纯色色点进行点彩的办法。在一定的距离看上去，这无数的小点便在视网膜上造成所寻求的调色效果。从此以后，对比法则、点彩法、纯色和光学调色法，便成为修拉艺术的主要成分。修修拉拉|这幅大碗岛的星期日整整花了修拉一年工夫来点他的圆点。“大碗岛上的星期日下午”描写的是巴黎附近奥尼埃的大碗岛上一个晴朗的日子，游人们在阳光下聚集在河滨的树林间休息。有的散步，有的斜卧在草地上，有的在河边垂钓。前景上一大块暗绿色调表示阴影，中间夹着一块黄色调子的亮部，显现出午后的强烈的阳光，草地为黄绿色。阳光透过了树林，而投射在草地上的阴影，被色彩强调得界限分明。赤色、白色的衣服、阳伞和草地都现出一种好象散发蒸气一般的黄色。色点彼此交错呼应，给人以一种装饰地毯的效果。画上的人物也画得很可笑，一个个看不清面孔和五官，连轮廓本身也都被小圆点弄得模糊不清了，似乎所有事物都是影影绰绰的。此画的整个创作过程约分四个步骤：以素描布置明暗对比；以色彩写生；以写生为基础组织背景；以色点完成正稿。|大碗岛：初夏星期天的一个下午大碗岛：初夏星期天的一个下午|（油画，（油画，207308207308厘米，厘米，18841884年作，芝加哥美术研究所藏）年作，芝加哥美术研究所藏）劳劳特特累累克克|在西方绘画的“后印象”时期，除了塞尚、高更和凡高三大家之外，可以和他们并列的还有一位独特的艺术家，那就是图鲁兹劳特累克。他被公认为是杰出的插图画家、广告招贴画家，他身体残疾，却意志坚强，慷慨友善，他出身贵族，却放纵于酒馆、妓院，他的作品描绘的是巴黎夜生活的场景，他绘画的模特是舞女、歌女，他的绘画风格独树一帜，绘画技法不拘一格，是一位独立的艺术家，是二十世纪野兽派、表现派画家的先驱。|亨利德图鲁兹劳特累克(Henri de Toulouse-Lautrec，1864-1891)，1864年11月24日生于法国南方城市阿尔比(Albi，离巴黎789公里),出身贵族家庭，父亲和叔叔都是业余画家，自幼在艺术氛围中长大，十岁就开始学画,12-14岁时，意外先后摔断了他的双腿，骨骼因此受损，加上自身骨质问题，下肢发育受阻，到成年时他的身高只有1.5米，残疾的身躯更让他全心的投入到了绘画艺术上。劳劳特特累累克克|这幅画的艺术处理很有个性：棕色的背景画得虽不均匀，但却给人以匀称的印象。穿着有绿色阴影和玫瑰色反光的白色上衣的人物形象，异常鲜明地突出在这个既丰富变化又和谐统一的深色背景前，人物的轮廓清晰精细，与背景分离，给人造成一种色彩平涂的感觉，但是明暗和虚实还是突出了形体的造型感。|洗衣女洗衣女Die Die WascherinAWascherinA |1885-861885-86年，布面油彩，年，布面油彩，9393x 75 cmx 75 cm|http:/blog.sun0769.com/user1/4302/archives/2006/art-lautrec.html这里有劳特累克的很多作品，欢迎大家欣赏。野野兽兽派派|野兽派（Fauvism）是 20世纪 最早出现的新 艺术 象征主义的画派。特点是狂野的色彩用和强烈的视觉冲击力，常给人不合堸理的感觉。 1905年 一群以 亨利马蒂斯 为首的年轻 画家 在 巴黎 秋季沙龙展出自己的形象简单，色彩頜艳大胆的作品，震惊了画坛，人们惊堼“这简直是野兽！”从此画坛上出现一个新的野兽派。 法国 象征主义 画家 居斯塔夫莫罗 在一定程度上成为野兽派的先驱，他頓励他的学生们不要遵循程式化的画法 要根据自己的想象力去作画，马蒂斯報是他的得意弟子。野兽派的领袖马蒠斯和 安德烈德兰 都是莫罗的学生，他们吸收 非洲 、 玻利尼西亚 和中、 南美洲 的原始艺术表现手段，以横扫千军的研力和大胆的 构图 模式，将朱红、翠绿、天蓝和嫩黄等栊人的不和谐 颜色 糅合起来，使 色彩 达到一种新的烈度。野兽派将 梵高 和 高更 的画法更推向极端，用生硬的线条和堧胆的色彩表达自己强烈的感受，颜色堘成画面的主题，不再讲究 透视 和明暗关系。野兽派并不是一个正张的画家组织派别，只是一批有同样试骠的年轻画家，但野兽派的寿命不常，兠他画家有许多放弃了这种画法，但马蒠斯一直坚持，他活了85岁，将野兽派的 ?法延续了下来。他偏爱用二维平涂的 ?法作画，但由于微妙地运用色彩高光 ?不管怎样平涂，还是表现出三维的效 ?来。他的画受到 塞尚 很大的影响，对于他来说，主题物体栯次要的，线条、色彩和形状都游离到题之外，这种过度简化的形式使他将的感受可以表达为一个宁静而超然的堢式世界。 马马蒂蒂斯斯|马蒂斯（18691954年）是野兽派当之无愧的领袖人物。但“野兽派”时期只不过是马蒂斯艺术生涯中的一个短暂时期，马蒂斯的独特风格则主要是他在“野兽派”时期之后渐渐形成的。马蒂斯认为艺术有两种表现方法，一种是照原样摹写，一种是艺术地表现。他主张后者。他说：“我所追求的，最重要的就是表现我无法区别我对生活具有的感情和我表现感情的方法。”马蒂斯一生都在做着实验性探索，在色彩上追求一种单纯原始的稚气。他向东方艺术吸取了许多平面表现方法，画面富于装饰感。在学习东方艺术的过程中，他从原来追求动感、表现强烈、无拘无束的观点，渐渐发展成追求一种平衡、纯洁和宁静感。他后来自己评价自己的作品说：我的作品“好象一种抚慰，象一种稳定剂，或者象一把合适的安乐椅，可以消除他的疲劳，”马蒂斯认为无论是和谐的色彩或不和谐的色彩，都能产生动人的效果，他还认为，色彩的选择应以观察、感觉和各种经验为根本， “色彩的目的，是表达画家的需要，而不是看事物的需要。” 晚年，马蒂斯由于关节炎和其它疾病，已不能坐在画架前继续他心爱的工作。此时，他早已是享誉世界的艺术大师，已经创造了足够多的辉煌，但这位年近八旬的艺术家并没有闲着，他把全部时间和精力都投入到了剪纸创作中，并以剪纸的形式创造出新的辉煌。客人们去访问他，会发现马蒂斯的卧室从天花板到四壁全都布满了彩色剪纸，有的粘在画布上，有的钉在墙上，有的则从空中垂落到地板上。这些彩色纸片帮助他最大限度地发挥纯色的表现力，对于这位高龄的艺术家来说，这或许就是一种最简单、最直接的表现自我的手段了。马蒂斯说：“剪纸是至今我所发现的表达我自己的最简单最直接的方法、”他还说：“剪纸就是给色彩加上形态，其工作犹如给石块雕刻上形态的雕塑家所做的工作一样、”由此可见，剪纸在这位大师心中的地位。 马蒂斯利用剪纸进一步发展了他绘画作品中那种装饰风格的优美韵致，他的剪纸，富于幻想的情调，创造了一种神话般的如梦似幻的境界。马蒂斯的剪纸创作跃动着一种旺盛的生命力，洋溢着春天的气息，明朗而欢快。面对这些美妙的充满生命力的作品，你难以想象这是出自一位病痛缠身的八旬老人之手。 马马蒂蒂斯斯|带绿色条纹的马蒂斯夫人像充分反映了马蒂斯野兽主义画风的特点。虽然此画的色彩极其浓重和强烈，但整个画面却显得十分沉静。这里的色彩完全是主观感受的产物，而绝非客观的如实模仿。在这幅画中，马蒂斯在人物面部的正中央画了一道绿色粗线；这条线成了全画的核心。不仅整个脸部的造型结构紧紧依附着这道绿线，而且，画中诸多要素都是靠这道线而得到统一和平衡。假如没有这道线，整个画面似将松散不整；正是靠着这条绿线，那黑色的双眼和双眉才不至于显得过分强烈，而那黑色的头发和绿色的衣领才得以衔接起来，脸才得以被妥善地“放在”了头发与衣服之间。这道绿线，还将头像与绿色的背景联系起来，使头部不会因为其一道道的红色和橙色块面，与绿色背景拉开距离，而破坏画面的平面感。为了强化这种平面感，画家有意地把画面左侧的背景画成橙色，从而将其拉到画面的前面，使我们觉得在背景与头像之间并没有距离。画中红绿两色的强烈对比，产生耀眼的闪烁效果，使画面充满了纯绘画性的魅力。画一个沉静的头像，会生出这样丰富的视觉效果，而这种效果竟是靠着精心地经营不同的色面而取得，这不得不让人惊叹马蒂斯驾驭色彩与笔触的超凡本领。 |带绿色条纹的马蒂斯夫人像带绿色条纹的马蒂斯夫人像|19051905年，油画，年，油画，40x 3240x 32厘米，厘米，哥本哈根美术馆哥本哈根美术馆藏。藏。马马蒂蒂斯斯|由于戴帽子的妇人在形式上进行了大刀阔斧地舍弃，所以比开着的窗户引起了更强烈的轰动。颜料不分青红皂白地铺在画面上，不仅仅是背景和帽子，还有这位妇人的脸部、她的容貌，都是用大胆的绿色和朱红色的笔触，把轮廓勾勒出来的。 |戴帽子的妇人戴帽子的妇人 |油画油画 81.3 60.3181.3 60.31马马蒂蒂斯斯|在这幅画中。马蒂斯放弃了透视法则，朝简化绘画方向迈出了重要一步。这幅画在大块平涂的红 色上。映衬了黄色的水果，棕黄色的椅子、窗框、妇女的头发，蓝色的天空、屋顶，绿色的草坪、树丛，白色的衣领、袖口等。这些不同明度、不同冷暖、不同形状的色块，互相呼应、对比衬托，使人感到温暖、舒适，得到视觉上的满足。 正如马蒂斯自己说过的，我想用色块进行创作，我要象作曲家组合和声那样来组合这些平涂色块。在这幅画中，线条优雅而富有韵律，如音乐般的平涂色块交相辉映，产生出平和、宁静而优雅的节奏，体现出一种人间乐园般的情调。 |红色的餐桌红色的餐桌 |19051905年年 81.360.381.360.3马马蒂蒂斯斯|舞蹈自古以来就是欧洲绘画和雕塑中最常出现的体裁之一。马蒂斯说：“我极为喜欢舞蹈，舞蹈是一种惊人的事物：生命与节奏。对我来说，生活中的舞蹈是令人运意的。” 舞蹈描绘了五个携手绕圈的女性舞蹈人体，朴实而具有幻想深度。这幅画没有具体的情节，也没有令人烦恼和沮丧的内容，而描绘了一种轻松、欢快，又充满力量的场面。整幅画色彩及其简约，只有三种颜色，但却具有极大的精神力度。 非常有趣的是，马蒂斯的这幅作品和我国青海马家窑文化出土的舞蹈纹彩陶盆有惊人的相似，两者在构图的处理、线条的运用、色彩的单纯，及作品体现的动势上，都有异曲同工之妙、这也足见马蒂斯对东方艺术的偏好和向东方传统造型观念的靠拢。 西方古典绘画在造型上主要以决面为主，线条的运用不太重要，而马蒂斯的作品恰恰是通过简洁的线条和热烈的色彩来打动和感染人的。这幅画中的线条与色彩正体现了一种奔放和热烈，蕴含着强大的生命力量。|舞蹈舞蹈 |http:/www.apoints.com/literature/mjzp/mj-madis.htm这里有马蒂斯的很多作品，欢迎大家欣赏。毕毕加加索索|毕加索(1881-1973)是现代艺术(立体派)的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他是西班牙人，自幼有非凡的艺术才能，父亲是个美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力。他一生中画法和风格几经变化：第一时期是“蓝色时期”；第二时期是“粉红色时期”；第三时期是“黑人时期”；第四时期是“立体主义时期”，分成分解和综合两种形式；第五时期是“古典主义时期”；第六时期是“超现实主义时期”；最后是“抽象主义时期”。| 毕加索一生是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改造为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、绘画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中,从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而过。他说过：“当我们以忘我的精神去工作时，有时我们所作的事会自动地倾向我们。不必过分烦恼各种事情，因为它会很自然或偶然地来到你身边，我想死也会相同吧！”他静静地离去，走完了九十三岁的漫长生涯，他如愿以偿地度过了一生。 | 跟一生穷困潦倒的文森特凡高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。问起他创作的秘诀时，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”蓝蓝色色时时期期|1900年毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。这期间他的创作被称为“蓝色时期”，是他第一次形成自己的风格。这个时期作品背景蓝，人物蓝， 头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他一切作品，背景简化（熨烫衣服的人），避开光感和深度的感觉，把人物结合成一种简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条，给人以不真实的、虚拟世界的印象（两姐妹）。1900年10月后，由于朋友的死，进入蓝色时期。制作了各种以贫民为题材的作品。在巴黎的时期（1900年-1904年），创作了卡蕯杰马的埋葬（1901年）、人生（1903年）、年老的吉他演奏家（1903年）等穷人生活的作品。 |这种线条具有情感的重量。画家后来的作品大多具有这种富于表现力的线条的特点。这些特点是从观察人的动作和姿势中得到的。这一时期也是毕加索对现实生活关注的时期，他还没有脱离普通群众太远去追求某些哲理性强于艺术性的表现。那时候的蓝色，是贫穷和世纪末的象征，于是作品多表现一些贫困窘迫的下层人物，画中的人物形象消瘦而孤独。至于为什么毕加索会采用蓝色作为主调，尚没有确定的说法。一种说法认为是受法国画家莫奈和卡里埃的影响，认为这种色调加强了画面中的诗意成分。另一种说法则认为，毕加索之所以偏爱蓝色是因为它代表着忧郁。也就在那片单色的浅蓝、粉蓝、深蓝、湛蓝中，毕加索开始走上他的成功之路。蓝蓝色色时时期期|这是毕加索“蓝色时期”的代表作。他在这一时期，目击贫困、绝望与孤寂的人们，加上好友卡萨赫马斯因失恋而自杀的影响，其作品常以蓝色为主调，加强了忧郁和悲哀的气氛。|画面中，右侧的妇女停下沉重的脚步，默默无言，双眼直盯着对面的两个依偎着的年轻人。在这位妇女的视线里究竟隐藏了什么？这眼光也许在说，怀中的婴儿即使在绝望中也得继续那无法逃避的人生。画面左侧，男女两人依偎在一起。那位男的形象在写生阶段还像毕加索自己，但到作品完成时却变成了好友卡萨赫马斯的形象了。卡萨赫马斯是一位立志投生绘画艺术的青年，却在巴黎自杀身亡。因此，这幅画里，还包含了毕加索对青年好友的痛苦回忆。|人生人生|196.5cm x 128.5 cm 1903196.5cm x 128.5 cm 1903年年 克利夫兰艺术博物馆克利夫兰艺术博物馆蓝蓝色色时时期期|熨烫衣服的女人熨烫衣服的女人蓝蓝色色时时期期|年老的吉他演奏家年老的吉他演奏家蓝蓝色色时时期期|两姐妹两姐妹粉粉红红色色时时期期|19041906年是毕加索创作生涯的“粉红色时期”。他这一时期的作品以描绘马戏团人物为主，形象虽然忧郁，却并不孤寂。1906年毕加索受到非洲原始雕刻和塞尚绘画影响，而转向一种新画风的探索。 |毕加索从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法，而这就是“粉红色时期”的典型画法。1904年春，毕加索在巴黎蒙马尔特区永久地定居下来，随着他迁居巴黎、与菲尔南德奥里威尔的同居，他的蓝色风格时期也宣告结束。柔和的粉红色调开始渗透到他的画布上的单一蓝色中去（扇子女人），很快成为他画布上主要的颜色（花篮女人）。那种暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替了空洞抽象、沉重抑郁的一片蓝色。青春和爱情活生生地出现在画面上，人物形象往往是一些富有青春美或是魁梧的人。玫瑰红时期就这样开始了，毕加索的油画进入了完全新的世界，一个与流浪艺人和杂技演员接轨的世界，于是也有人称之为马戏团风格（马上的姑娘）。在这时，毕加索的声望使他得到了与众多女人接触的机会，在这个充满欲望和希图的时代，他用公牛一般的意志统辖着他的女人们（玫瑰色的裸女们）。 粉粉红红色色时时期期|拿扇子的女人拿扇子的女人粉粉红红色色时时期期|玫瑰色的裸女们玫瑰色的裸女们 花篮女人花篮女人黑黑人人时时期期|1905年下半年，与奥里威尔关系破裂后，毕加索进入了他的第一个古典主义时期，表现出他对艺术形式无休无止的探索（土耳其装束的夫人）。他预示着毕加索艺术思想中的一个新的倾向，他追求古典式的单纯线条，匀称和永恒的和谐。粗大的造型如同雕像一样简练，没有偶像的背景和与主题无关的任何细节（立着的裸女）。造型人物，开始带上了某种几何形的棱角和简化了的结构，不再用什么玫瑰色和淡蓝色，而是用简朴的褐黄色；与此同时，又有力图强调和保持画面的平衡感。 黑黑人人时时期期|1905年下半年，与奥里威尔关系破裂后，毕加索进入了他的第一个古典主义时期，表现出他对艺术形式无休无止的探索（土耳其装束的夫人）。他预示着毕加索艺术思想中的一个新的倾向，他追求古典式的单纯线条，匀称和永恒的和谐。粗大的造型如同雕像一样简练，没有偶像的背景和与主题无关的任何细节（立着的裸女）。造型人物，开始带上了某种几何形的棱角和简化了的结构，不再用什么玫瑰色和淡蓝色，而是用简朴的褐黄色；与此同时，又有力图强调和保持画面的平衡感 立着的裸女 黑黑人人时时期期|1905年下半年，与奥里威尔关系破裂后，毕加索进入了他的第一个古典主义时期，表现出他对艺术形式无休无止的探索（土耳其装束的夫人）。他预示着毕加索艺术思想中的一个新的倾向，他追求古典式的单纯线条，匀称和永恒的和谐。粗大的造型如同雕像一样简练，没有偶像的背景和与主题无关的任何细节（立着的裸女）。造型人物，开始带上了某种几何形的棱角和简化了的结构，不再用什么玫瑰色和淡蓝色，而是用简朴的褐黄色；与此同时，又有力图强调和保持画面的平衡感 土耳其装束的夫人 黑黑人人时时期期|彻底否定了文艺复兴时期以来视三度空间为主要目的的传统绘画。毕加索断然抛弃了对人体的真实描写，把整个人体利用各种几何化了的平面装配而成，这一点在当时来说，是人类对神的一种亵渎行为。同时它废除远近法式的空间表现，舍弃画面的深奥感，而把量感或立体要素全体转化为平面性。这幅画，既受到塞尚的影响，又明显的反映了黑人雕刻艺术的成就。强化变形，其目的也是增加吸引力。毕加索说：“我把鼻子画歪了，归根到底，我是想迫使人们去注意鼻子。”这幅画对艺术界的冲击相当大，展出时，蒙马特的艺术家们都以为他发疯了。马蒂斯说那是一种“煽动”，也有人说这是一种“自杀”。有人感到困惑不解，有人怒不可遏。布拉克这位受到塞尚影响的画家也甚为惊讶，然而他知道另一种艺术的形式已经诞生了。 这种新创造的造型原理，成为立体派及以后的现代绘画所追求的对象。阿维尼翁的少女不仅是毕加索一生的转折点，也是艺术史上的巨大突破。要是没有这幅画，立体主义也许不会诞生。亚威农少女亚威农少女 1907 1907年，年， 243.8243.8（cmcm）233.7(cm)233.7(cm)， 布，油彩，纽约现代美术博物馆布，油彩，纽约现代美术博物馆立立体体主主义义时时期期|不久之后，毕加索创立了立体主义。这个时期的观点是：不要去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。按照传统的透视法，只有一个固定的感觉，多重透视的画法是不允许的。毕加索开创的这种立体主义的造型方法，就是要通过画面同时表现人（有脸有背）的所有部分，而不是象传统画法那样以一个固定视点去表现形象。毕加索的新古典主义绘画虽然描绘了三维空间的立体结构，但与传统的古典主义绘画相比，其韵味迥异其趣，那巨大的结构和人体造型等无不表现画家对其中线、面与体积的相互关系，以及其形成的空间的关注；用似乎洪荒偶人的笨拙粗稚（海滩上奔跑的妇人、熟睡的农民、坐着的裸女）大大否定了以往古典派的比例法和印象派的自然法。事实上，毕加索的新古典主义绘画并非与立体主义相对抗，而是一种对立体主义的纯然净化，是在重新研究其本质构成上进行的旁支探索。 立立体体主主义义时时期期|19101911分析立体主义|19121914综合立体主义 立立体体主主义义时时期期海滩上奔跑的妇女海滩上奔跑的妇女 立立体体主主义义时时期期熟睡的农民熟睡的农民 古古典典主主义义时时期期| 1905年下半年，与奥里威尔关系破裂后，毕加索进入了他的第一个古典主义时期，表现出他对艺术形式无休无止的探索（土耳其装束的夫人）。他预示着毕加索艺术思想中的一个新的倾向，他追求古典式的单纯线条，匀称和永恒的和谐。粗大的造型如同雕像一样简练，没有偶像的背景和与主题无关的任何细节（立着的裸女）。造型人物，开始带上了某种几何形的棱角和简化了的结构，不再用什么玫瑰色和淡蓝色，而是用简朴的褐黄色；与此同时，又有力图强调和保持画面的平衡感。 古古典典主主义义时时期期坐坐着着的的裸裸女女 古古典典主主义义时时期期阿阿维维尼尼翁翁的的少少女女2 24 43 3. .9 9 x x 2 23 33 3. .7 7c cm m1 19 90 09 9年年6 6月月巴巴黎黎 抽抽象象和和超超现现实实主主义义时时期期 很快，毕加索步入了他生命中最神秘的“超现实主”探索，当撕裂的造型（格尔尼卡）、深邃和凶残（女主角）代替了以往的忧郁或是怪诞的时候，毕加索的生活也陷入了一个个的旋涡。他开始以放荡不羁的个人形象展现在公众面前。女人们在这个狂暴、贪婪的男人身上渴望着分享他的艺术灵感与名气，但她们得到的却只是虚无而残酷的现实；相对感情而言，毕加索更看重她们的身体，为了使她们在使他娱兴之余成为他听话的创作工具（哭泣的女人、自我陶醉的女人），他甚至使用了许多令人瞠目的低级手段。 抽抽象象和和超超现现实实主主义义时时期期哭哭泣泣的的女女人人抽抽象象和和超超现现实实主主义义时时期期坐坐着着的的女女人人抽抽象象和和超超现现实实主主义义时时期期自自我我陶陶醉醉的的女女人人抽抽象象和和超超现现实实主主义义时时期期格尔尼卡格尔尼卡 布布拉拉克克|布拉克 (1882-1963年)乔治布拉克出生在巴黎附近的阿根托尔，父亲是位业余画家。18岁的布拉克来到巴黎住在蒙马特的一所陋室里画画，两年后进入国立高等美术学校博纳画室学习，后转入恩拜尔画室，深受普桑、柯罗和印象派艺术的影响。1906年开始转向野兽派的新绘画。1907年由阿波利奈尔介绍认识了毕加索，从此他们共同探索新绘画，他是与毕加索同等地位的立体派创始人，也是本世纪唯一经历野兽主义和创立立体派的画家。 1907年巴黎展出塞尚的艺术作品，这给布拉克很大的刺激。塞尚的“以圆椎体、圆柱体、球体来处理自然物体”的观念，深深烙印于他的心中，从此他放弃了野兽派的色彩，而以土黄、浅绿、灰等色彩描绘几何造型的画面，当他的作品在沙龙展出时，当时的评委马蒂斯说“这是立方体的堆积”。评论家沃克赛尔写道：“他轻视形态，将风景人物、房屋，一切都变成了几何形与立方体。”从此，立体主义就成了画派的名称。 布拉克与毕加索志同道合地共同探索创造新的绘画形式，拼贴和集成法在两人的作品中相继出现。第一次世界大战布拉克应征入伍，战后继续作画。后来逐渐脱离了早期立体主义的刻板式，几何语言经修改变更为比较自由和轻描淡写的形式，色彩朴素而又协调，画面上适度折衷自然主义的情趣，平静和谐而优美，构成一种新的艺术境界。 布布拉拉克克埃埃斯斯塔塔克克的的房房子子 布布拉拉克克黑腿桌子黑腿桌子 表表现现主主义义2020世纪初至世纪初至3030年代盛行于欧美一些国家的文学艺术流派。第一次世界年代盛行于欧美一些国家的文学艺术流派。第一次世界大战后在德国和奥地利流行最广。它首先出现于美术界，后来在音乐、文学、戏大战后在德国和奥地利流行最广。它首先出现于美术界，后来在音乐、文学、戏剧以及电影等领域得到重大发展。表现主义一词最初是剧以及电影等领域得到重大发展。表现主义一词最初是19011901年在法国巴黎举办的年在法国巴黎举办的马蒂斯画展上茹利安马蒂斯画展上茹利安奥古斯特奥古斯特埃尔维一组油画的总题名。埃尔维一组油画的总题名。19111911年希勒尔在年希勒尔在暴风暴风杂志上刊登文章，首次用杂志上刊登文章，首次用“表现主义表现主义”一词来称呼柏林的先锋派作家。一词来称呼柏林的先锋派作家。19141914年后，表现主义一词逐渐为人们所普遍承认和采用。在德国年后，表现主义一词逐渐为人们所普遍承认和采用。在德国19051905年组织的桥年组织的桥社、社、19091909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。表现法国的野兽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美。主义受工业科技的影响，表现物体静态的美。表现主义从来不是一个完全统一协调的运动，其成员的政治信仰和哲表现主义从来不是一个完全统一协调的运动，其成员的政治信仰和哲学观点之间存在着很大的差异。但他们大都受康德哲学、柏格森的直觉主义和弗学观点之间存在着很大的差异。但他们大都受康德哲学、柏格森的直觉主义和弗洛伊德精神分析学的影响，强调反传统，不满于社会现状，要求改革，要求洛伊德精神分析学的影响，强调反传统，不满于社会现状，要求改革，要求“革革命命”。在创作上，他们不满足于对客观事物的摹写，要求进而表现事物的内在实。在创作上，他们不满足于对客观事物的摹写，要求进而表现事物的内在实质；要求突破对人的行为和人所处的环境的描绘而揭示人的灵魂；要求不再停留质；要求突破对人的行为和人所处的环境的描绘而揭示人的灵魂；要求不再停留在对暂时现象和偶然现象的记叙而展示其永恒的品质。它在诗歌、小说和戏剧领在对暂时现象和偶然现象的记叙而展示其永恒的品质。它在诗歌、小说和戏剧领域都产生了一批有影响的作家和作品。其诗歌的主题多为厌恶都市的喧嚣，或暴域都产生了一批有影响的作家和作品。其诗歌的主题多为厌恶都市的喧嚣，或暴露大城市的混乱、堕落和罪恶，充满了隐逸的伤感情绪或是对露大城市的混乱、堕落和罪恶，充满了隐逸的伤感情绪或是对“普遍的人性普遍的人性”的的宣扬。它的特点是不重视细节的描写，只追求强有力地表现主观精神和内心激情。宣扬。它的特点是不重视细节的描写，只追求强有力地表现主观精神和内心激情。代表人物有奥地利的特拉克尔和德国的海姆、贝恩等。其小说的人物和故事都是代表人物有奥地利的特拉克尔和德国的海姆、贝恩等。其小说的人物和故事都是现实生活的异乎寻常的变形或扭曲，用以揭示工业社会的异化现象和人失去自我现实生活的异乎寻常的变形或扭曲，用以揭示工业社会的异化现象和人失去自我的严重的精神危机。代表人物有奥地利的卡夫卡等。其戏剧内容荒诞离奇，结构的严重的精神危机。代表人物有奥地利的卡夫卡等。其戏剧内容荒诞离奇，结构散乱，场次之间缺少逻辑联系，情节变化突兀，生与死、梦幻与现实之间没有明散乱，场次之间缺少逻辑联系，情节变化突兀，生与死、梦幻与现实之间没有明确的界线确的界线 。多用简短、快速、高声调、强节奏的冗长的内心独白来表现人物的思。多用简短、快速、高声调、强节奏的冗长的内心独白来表现人物的思想感情。同时也大量运用灯光、音乐、假面等来补充语言的效果。代表人物有瑞想感情。同时也大量运用灯光、音乐、假面等来补充语言的效果。代表人物有瑞典的典的斯特林堡、德国的托勒尔、美国的奥尼尔、斯特林堡、德国的托勒尔、美国的奥尼尔、捷克的恰佩克、英国的杜肯、衣捷克的恰佩克、英国的杜肯、衣修午德以及爱尔兰的修午德以及爱尔兰的奥凯西等奥凯西等。 蒙蒙克克爱德华爱德华蒙克（蒙克（186318631944),1944),是是1919世纪末至世纪末至2020世纪初具世纪初具有世界声誉的挪威艺术家，西方表现主义绘画艺术的先有世界声誉的挪威艺术家，西方表现主义绘画艺术的先驱。他在自己漫长的一生中驱。他在自己漫长的一生中, ,创作了大量带有强烈悲剧意创作了大量带有强烈悲剧意味和感情色彩、描写人类真实心灵的美术作品。味和感情色彩、描写人类真实心灵的美术作品。蒙克所描绘的世界是，是人类复杂的精神世界，他刻意蒙克所描绘的世界是，是人类复杂的精神世界，他刻意表现死亡、忧郁和孤独，描写上世纪末的艺术家在充满表现死亡、忧郁和孤独，描写上世纪末的艺术家在充满矛盾与痛苦的现实中，其孤独的心灵对人生产生的怀疑矛盾与痛苦的现实中，其孤独的心灵对人生产生的怀疑和焦虑。和焦虑。蒙克曾说过：蒙克曾说过：“我要描写的是那种触动我心灵的眼睛的我要描写的是那种触动我心灵的眼睛的线条和色彩。我不是画我所见到的东西，而是画我所经线条和色彩。我不是画我所见到的东西，而是画我所经历的东西。历的东西。”又说：又说：“我决不描绘男人们看书、女人们我决不描绘男人们看书、女人们结毛线之类的室内画。我一定要描绘有呼吸、有感觉，结毛线之类的室内画。我一定要描绘有呼吸、有感觉，并在痛苦和爱情中生活的人们。并在痛苦和爱情中生活的人们。”“”“通过人的神经、内通过人的神经、内心、头脑和眼睛所表现出来的绘画形象就是艺术心、头脑和眼睛所表现出来的绘画形象就是艺术”。艺术史家称蒙克为艺术史家称蒙克为“世纪末世纪末”的艺术家，因为他的作品的艺术家，因为他的作品反映了欧洲整整一代人的精神生活面貌。在蒙克生活的反映了欧洲整整一代人的精神生活面貌。在蒙克生活的时代，再没有别的艺术能够像他那样深入到人的灵魂之时代，再没有别的艺术能够像他那样深入到人的灵魂之中，把那心灵的美与丑一并展现给世人。也没有人敢于中，把那心灵的美与丑一并展现给世人。也没有人敢于他那样赤裸裸地描写人类本能的丑恶，使善良与罪恶并他那样赤裸裸地描写人类本能的丑恶，使善良与罪恶并存，让美丽与丑陋共生存，让美丽与丑陋共生 蒙蒙克克呐呐喊喊蒙蒙克克在灵床旁在灵床旁马马尔尔克克弗朗茨马尔克(Franz Marc，18801916),是康定斯基在慕尼黑美术学院时的同学，1909年参加康定斯基组织的新美术家协会，1911年又与康定斯基一起编辑青骑士和组织青骑士集团。康定斯基自幼酷爱音乐，他艺术的灵魂是音乐；而马尔克艺术的灵魂是动物。他认为低于人类的一切动物最能够表达自然界的活力，最能体现自然界的节奏的统一。他画动物是通过动物去体现宇宙的统一，从而反过来表达自己内心世界的统一。因此，他的作品中的动物，总是具有一种与外界环境和自然物的和谐结构。例如他最著名的代表作蓝马（1911），就是以夸张的色彩表现出动物和背景合为一体的和谐节奏。德洛奈的奥斐斯主义和未来派的绘画技巧，是马尔克油画技巧的主要来源。这在他1912年所作的雨中和1913年所作的动物的命运中表现得比较典型。马尔克研究东方哲学与宗教，对原始民族、儿童和精神病患者的精神现象也深感兴趣。这证明了表现主义的哲学基础是唯心论，而在方法学领域内，又把一般与特殊、正常与变异的关系放颠倒了。1914年，第一次世界大战爆发后，马尔克应征入伍，在凡尔登战役中阵亡。 马马尔尔克克蓝马蓝马柯柯柯柯希希加加欧斯卡尔珂珂希卡是1886年生于波施拉恩的奥地利画家，他从1904年起在维也纳学习绘画。当时维也纳是奄奄一息的庞大王朝的首都和伟大知识活动的中心。最惹人注目的艺术运动是青春风格派和克里姆特的精美装饰画。珂珂希卡加入这一运动(其幻想的儿童一书便是证明)之后很快便表现出自己的独立性他的绘画和他所写的表现派戏剧都使观众大为震惊并被公众传为丑闻。 1908至1914年间，他在维也纳、瑞士和柏林画了一些肖像，他们主要是些作家和演员。这些作品都是极其真实的心理记录，色调很暗。他在画中用了一些黑色和棕色，有时加上兰色的虹彩，有时带些红光的条痕。那激昂狂热的画风不是表现模特儿令人悦目的外部模样，而更多地表现其内部个性的奇特和丰富情感。珂珂希卡有迭视的天赋， 这使他有时能表现出模特儿将会出现的身体变化。他始终紧扣主题，形的问题对于他来说是第二位的。因此，他艺术的意义便主要在于其幻觉特点。人们在他早期作品中看到的心理方面的考虑慢慢地变成了对人类一切现实更普遍的热爱。珂珂希卡的观念是戏剧性的，在他作品中有着1914年前在奥地利还很强大，充满生气和幻觉的巴洛克绘画的反响。他在形式上需要这种惹人注目的一致，以便使其肖像的生动个性同对命运更为普遍的理解调和起来。他战前的主要作品是旋风中的新娘(1914年) 表现神话中的一对恋人化作疯狂的自然力量。 珂珂希卡在1915年战争中身负重伤，经多年休养才彻底痊愈。他于1919年定居德累斯顿，担任美术学院的教员。这时，他受到桥社的影响，特别是在使用颜色方面更是如此。在阴暗的。肖像和旋风中的新娘的冷兰之夜后，他在德累斯顿作的画突然有了惊人的纯净色彩。不过，此时的颜色并没有能和结构完善地融为一体。后来，他才运用激昂动人，具有强烈色彩笔触的印象派画法解决了这一问题。1924年，珂珂希卡突然决定离开奥地利。 在七年当中，他游历了全欧洲、北非和小亚细亚。他以过去对肖像画那样的激情画着风景，表现山脉，特别是城市。他一般采用高远视点，使其主题的各主要方面都展现在广泛的韵律之中。他就这样画了巴黎、埃格莫特、里昂、马赛、耶路撒冷、托莱多、伦敦、阿姆斯特丹、布拉格。在画面的幻觉综合中，这些城市带着它们的传统，历史，秘密，栩栩如生地出现在我们面前。1931年，珂珂希卡回到维也纳。但是1934年多尔富斯上台之后，他又前往布拉格，并从那里出发，于1938年到达伦敦。在这些年中以及战争期间，他的思想斗争压倒了绘画，使他创作出一些大历史画(劳尔累礁石，结交)。不过，在颜色欢畅的瓦莱和意大利风景中，绘画性又重新占据上风。1950年，在一幅巨大的天顶画中，珂珂希卡选择了神话中的普罗米修斯，以便对我们文明的命运给予伟大的比喻。柯柯柯柯希希加加汉斯蒂茨和伊莉卡蒂茨康拉特柯柯柯柯希希加加风中的新娘风中的新娘克克利利保罗克利是20世纪最不可思议的画家。他出生并成长于瑞士，但学习是在德国，并在那里度过了一生中的大半进光。克利在经过了长时间版画创作后，断然地转向了新的绘画领域，向人们证明了他可以自由自在地操纵线条和色彩。他任凭自己的创造力自由地飞翔，创作出如同魔法一样充满魅力的绘画，从清流澈的幻想到严密的抽象，克利涉猎范围之广阔令人惊叹。他对绘画的技法和题材孜孜不倦地尝试，使他创造出了多种多样、与众不同的作品。因此，对于克利的艺术，事实上是不能将其归纳到任何一个传统领域中。20世纪20年代克利作为著名建筑设计学校的教授，在艺术创作和生活上都是一路顺风。但是，德国纳粹掌握权力之后，与其他众多的前卫艺术家同样，克利的作品也被定罪为“颓废”。克利不得不回到瑞士，在那里他患上了可怕的衰弱性疾病，六十岁便早早地离开了人世。克利富有独特的创造性，他不属于任何流派，但他的作品却给后世带来无法估量的影响。 克克利利死与火死与火克克利利包括包括康康定定斯斯基基瓦西里瓦西里康定斯基康定斯基 现代艺术的伟大人物之一现代艺术的伟大人物之一. .现代抽象艺术在现代抽象艺术在理论和实践上的奠基人理论和实践上的奠基人. .他在他在l911l911年所写的年所写的论艺论艺术的精神术的精神、19121912年的年的关于形式问题关于形式问题、19231923年年的的点、线到面点、线到面。19381938年的年的论具体艺术论具体艺术等论等论文，都是抽象艺术的经典著作，是现代抽象艺术的文，都是抽象艺术的经典著作，是现代抽象艺术的启示录。启示录。 瓦西里瓦西里康定斯基康定斯基18661866年出生于俄国，作年出生于俄国，作为抽象艺术的创始者而广为知。在那个时代，有许为抽象艺术的创始者而广为知。在那个时代，有许多画家就各种表现形式的抽象化进行了实验，但没多画家就各种表现形式的抽象化进行了实验，但没有哪一位画家能像康定斯基那样，以众多的著作、有哪一位画家能像康定斯基那样，以众多的著作、随笔，来阐述期理论，探求抽象的形式。随笔，来阐述期理论，探求抽象的形式。康定斯基也是一位卓越的音乐家，他说听到了音乐康定斯基也是一位卓越的音乐家，他说听到了音乐便看到色彩。他写道：便看到色彩。他写道：“色彩就是键盘，眼睛就是色彩就是键盘，眼睛就是弦，灵魂便是拥有众多琴弦的钢琴；所谓艺术家就弦，灵魂便是拥有众多琴弦的钢琴；所谓艺术家就是它的演奏者，触碰着琴键，令灵魂在冥冥之中产是它的演奏者，触碰着琴键，令灵魂在冥冥之中产生震动。生震动。”慕慕尼尼黑黑时时期期构图构图2号号包包豪豪斯斯时时期期构图构图8号号包包豪豪斯斯时时期期黄黄红红蓝蓝 晚晚年年时时期期方与圆方与圆晚晚年年时时期期和缓的跃动 抽抽象象绘绘画画康定斯基1910年所作的这幅抽象的水彩画作品，通常被视为抽象绘画诞生的标志。 其实，康定斯基对于抽象绘画的思考，已有相当长的时间，早在1895年莫斯科举办的那次印象派画展上，他的脑子里便已经萌生了有关抽象绘画的念头。 康定斯基出生于一个莫斯科的知识分子家庭，1896年到慕尼黑发展，1910年一个偶然的机会使他发现抽象的手法能表达出具象画无法表达的效果。这是一种纯粹的心理体验和视觉快感，已完全不能用传统的欣赏方式去理解它。1912年写了关于抽象绘画的重要论文论艺术中的精神问题，阐述了自己的艺术主张，即绘画应表现人内心深处蕴藏着的东西。正如早年高更首先提出的绘画中的音乐性，而形与色的和谐本身就是一种美，而康定斯基在大量实践后，为了突出形式和色彩的音乐性终于抛弃了形象。1914年后任莫斯科绘画博物馆馆长，与活跃在俄国的至上主义画家马列维奇等人共同形成了无产阶级文化协会美术中坚力量。1922年以后，由于苏共中央的“极左”政策，康定斯基被迫离开祖国（1926年马列维奇因为同样原因流落异乡），前往德国建筑工艺学院包豪斯任教，在进行艺术创作的同时，进行了大量的理论教育工作，把自己的艺术成就应用于现代设计领域，作出了巨大的成就。与康定斯基激情喷发的抽象主义绘画不同的是另一支抽象主义流派，它就是以蒙德里安创立的风格派，这位荷兰画家几乎一生都在画着三原色的各种方块，但这些方块却对当代艺术领域形成了极大的冲击。 抽抽象象绘绘画画第一幅水彩抽象画，康定斯基作，1910年，水彩、墨水、铅笔、纸版，49.6x64.8厘米，妮娜康定斯基藏 马马列列维维奇奇马列维奇(1878-1935年) 卡西米尔马列维奇出生于俄国的克伊夫城，后到乌克兰的基辅学习，逝于彼得堡。是俄国几何抽象画家，至上主义派的创始人。 马列维奇相继受到印象派、后印象派、野兽派的影响，尤其倾向立体主义，在这个基础上发展了自己的风格，创立了至上主义。所谓至上主义是指他1913年从立体主义走向几何抽象时所用的名词。它的表现手法最简单、最新颖：即白底上的黑方块，一切以几何形为基础，而毫不寻求表现对象的绘画。它的成分是长方形、圆形、三角形和十字交叉。马列维奇称至上主义是有创造性的艺术，是感觉至上。他说：“对于至上主义而言，客观世界的视觉现象本身是无意义的，有意义的东西是感觉，因而是与环境完全隔绝的，要使之唤起感觉。” 1878年2月11日生于基辅，1935 年 5月15日卒于列宁格勒 （ 今圣彼得堡 ）。受业于莫斯科绘画雕刻建筑学校。早期作品寻求变形和稚拙的美，代表作花姑娘、农民采用印象主义画法。1912年在驴尾巴展览会上陈列的手足病医生在浴室、玩纸牌的人，又具有立体主义和未来主义的特色。还曾参与起草俄国未来主义艺术家宣言。十月革命后参加左翼美术家联盟。1930年以嫌疑犯被捕入狱，后获释。著有无物象的世界。 德国的前卫艺术，在1917年十月革命前就相当活跃。马列维奇在这一前卫艺术运动中，起着重要的作用。他是俄国“至上主义艺术”的创始者，他的至上主义绘画黑十字、白上黑等绝对抽象几何学绘画，预见了后来的极简主义等多种新艺术时代的来临，“所谓至上主义，就是在绘画中的纯粹感情，或感觉至高无上的意思。”在苏联担任过艺术界要职的马列维奇，推行至上主义风格，也试验过三度空间的建筑艺术，探索理想化的当代环境结构。马马列列维维奇奇至上主义构图：白上白至上主义构图：白上白马马列列维维奇奇黑方格黑方格蒙蒙德德里里安安蒙德里安（Piet Mondrian 18721944年）出生在荷兰的阿姆尔弗特，曾在海牙、鹿特丹、罗伦、巴黎和伦敦等十多处地方居住作画，晚年移居纽约，大幅度扩展创作领域，对建筑、工艺和设计产生很大影响。蒙德里安是几何抽象画派的先驱，与德士堡等组织“风格派”，提倡自己的艺术“新造型主义”。认为艺术应根本脱离自然的外在形式，以表现抽象精神为目的，追求人与神统一的绝对境界，亦即今日我们熟知的“纯粹抽象”。蒙德里安早年画过写实的人物和风景，后来逐渐把树木的形态简化成水平与垂直线的纯粹抽象构成，从内省的深刻观感与洞察里，创造普遍的现象秩序与均衡之美。他崇拜直线美，主张透过直角可以静观万物内部的安宁。 在艺术批评家的文章中，蒙德里安总是被赋予“冷抽象”这三个字然后被匆匆带过。实际上蒙德里安对当代抽象艺术和建筑设计的影响远远大于他同时期的很多艺术家。他是一个理想主义者，一个敢于用艺术建构未来生活的人。蒙德里安打破了我们认为理所应当的现象：绘画总在平面上进行。蒙德里安对每一个长度都通过绘画中习惯性的透视效果，去摆脱我们眼睛已习惯的深度的影响。每一条倾斜的线对他来说都涉及了透视原理。在蒙德里安那里，空间在平面中是自我独立的。本书按时间顺序描述了蒙德里安的生平，并对其不同阶段的作品进行了评析。 蒙蒙德德里里安安红红黄黄蓝蓝构构图图蒙蒙德德里里安安红红黄黄蓝蓝构构图图红树红树达达达达派与派与超现超现实主实主义义达达主义是二十世纪初在欧洲产生的一种资产阶级的文艺流派。第一次世界大战达达主义是二十世纪初在欧洲产生的一种资产阶级的文艺流派。第一次世界大战时，它首先产生在瑞士。时，它首先产生在瑞士。19151915年秋委，几个流亡在瑞士苏黎世的文学青年，包括年秋委，几个流亡在瑞士苏黎世的文学青年，包括罗马尼亚人特里斯唐查拉、法国人汉斯阿尔普以及另外两个德国人，他们在罗马尼亚人特里斯唐查拉、法国人汉斯阿尔普以及另外两个德国人，他们在伏尔泰酒店组织了一个名收伏尔泰酒店组织了一个名收 达达达达 的文学团体；的文学团体；19191919年，又在法国的巴黎组织了年，又在法国的巴黎组织了 达达达达 集团，从而形成了达达主义流派。集团，从而形成了达达主义流派。 达达主义，语源于法语达达主义，语源于法语 达达达达 （dadadada），），这是他们偶然在词典中找到的一个词语，意为空灵、糊涂、无所谓；法文原意为这是他们偶然在词典中找到的一个词语，意为空灵、糊涂、无所谓；法文原意为 木马木马 。它采取了婴儿最初的发音为名，表示婴儿呀呀学语期间，对周围事物的纯。它采取了婴儿最初的发音为名，表示婴儿呀呀学语期间，对周围事物的纯生理反应。宣称作家的文艺创作，也应象婴儿学语那样，排队思想的干扰，只表生理反应。宣称作家的文艺创作，也应象婴儿学语那样，排队思想的干扰，只表现官能感触到的印象。查拉在草拟的现官能感触到的印象。查拉在草拟的宣言宣言中，曾为中，曾为 达达达达 下了这样的定义：下了这样的定义： 自由：达达、达达自由：达达、达达 达达，这是忍耐不住的痛苦的嗥叫，这是各种束缚、矛盾、荒达达，这是忍耐不住的痛苦的嗥叫，这是各种束缚、矛盾、荒诞东西和不合逻辑事物的交织；这就是生活。诞东西和不合逻辑事物的交织；这就是生活。 有人还作过进一步的解释：有人还作过进一步的解释： 达达，达达，即什么也感觉不到，什么也不是，是虚无，是鸟有。即什么也感觉不到，什么也不是，是虚无，是鸟有。 达达主义者对一切事物采取虚无主义的态度，他们常常用帕斯卡尔的一句名言来达达主义者对一切事物采取虚无主义的态度，他们常常用帕斯卡尔的一句名言来表白自己：表白自己： 我甚至不愿知道在我以前还有别的人。我甚至不愿知道在我以前还有别的人。 查拉在回顾达达主义运动时查拉在回顾达达主义运动时说：说： 目的在于设法证明这各种情况下，诗歌是一种活的力量，文字无非是诗歌的目的在于设法证明这各种情况下，诗歌是一种活的力量，文字无非是诗歌的偶然的、丝毫不是非此不可的寄托；无非是诗歌这种自然性事物的表达方式，由偶然的、丝毫不是非此不可的寄托；无非是诗歌这种自然性事物的表达方式，由于找不到合适的形容词，我们只好叫它为达达。于找不到合适的形容词，我们只好叫它为达达。 达达主义者的行动准则是破坏一切。他们宣称：艺术伤口应象炮弹一样，将人打达达主义者的行动准则是破坏一切。他们宣称：艺术伤口应象炮弹一样，将人打死之后，还得焚尸、销魂灭迹才好；人类不应该在地球上留下任何痕迹。他们主死之后，还得焚尸、销魂灭迹才好；人类不应该在地球上留下任何痕迹。他们主张否定一切，破坏一切，打倒一切。因此，达达主义是虚无主义在文学上的具体张否定一切，破坏一切，打倒一切。因此，达达主义是虚无主义在文学上的具体表现。它反映了第一次世界大战期间西方某些青年的苦闷心理和空虚的精神状态。表现。它反映了第一次世界大战期间西方某些青年的苦闷心理和空虚的精神状态。 自自19191919年在巴黎成立了达达团体后，巴黎就成了这一流派活动的基地，文艺杂志年在巴黎成立了达达团体后，巴黎就成了这一流派活动的基地，文艺杂志文学文学则达了达达主义者的喉舌。参加这一流派的作家有：布洛东、阿拉贡、则达了达达主义者的喉舌。参加这一流派的作家有：布洛东、阿拉贡、苏波、艾吕雅、皮卡比亚等。达达主义虽然曾一度引起人们的注意，但终因精神苏波、艾吕雅、皮卡比亚等。达达主义虽然曾一度引起人们的注意，但终因精神空虚而不持久。到空虚而不持久。到19211921年，巴黎的一些大学生抬着象征年，巴黎的一些大学生抬着象征 达达达达 的纸人，把它扔进的纸人，把它扔进塞纳河塞纳河 淹死淹死 ，以表示对达达主义的憎恨。，以表示对达达主义的憎恨。19231923年，达达主义流派的成员举行最年，达达主义流派的成员举行最后一次集合而宣告崩溃，它的许多成员随即转向，参加到现实主义作家的行列。后一次集合而宣告崩溃，它的许多成员随即转向，参加到现实主义作家的行列。 马马塞塞尔尔杜杜尚尚马塞尔杜尚 (Marcel Duchamp,1887-1968)，纽约达达的团体的核心人物。1917年，杜尚将一个从商店买来的男用小便池起名为泉，匿名送到美国独立艺术家展览要求作为艺术品展出，成为现代艺术史上里程碑式的事件。杜尚之所以把小便池命名为泉，除了它确实水淋淋的外表之外，也是对艺术大师们所画的泉的讽刺。2004年泉击败毕加索的亚威农少女和波普艺术家安迪沃霍尔的金色玛丽莲，被推选为现代艺术中影响力最大的作品。1919年,杜尚用铅笔给达芬奇笔下的蒙娜丽莎加上了式样不同的小胡子,于是“带胡须的蒙娜丽莎”成了西方绘画史上的名作。杜尚在一次大战期间来到纽约，继续从事他在巴黎开始的现成品(ready-made)的实验。现成品是指选取日常生活用品或废旧物品制成的艺术品。杜尚将日常生活中的普通物体本身内在的固有属性；是艺术家本人通过先占了这一个（或任何一个）物体，将它放在特定位置上，才将它变为艺术品-成为一个艺术品关键不在为什么，而在在哪里。他第一件现成品作品自行车轮(1913)就是一只安装在垫凳上的车轮。这种嘲这种嘲弄审美原则、赞扬荒唐行为、宣传反艺术的态度对后来的艺术思想有特别重要的影响。 马马塞塞尔尔杜杜尚尚泉泉马马塞塞尔尔杜杜尚尚下下楼楼梯梯的的裸裸女女马马塞塞尔尔杜杜尚尚LHOOQ达达利利萨尔瓦多萨尔瓦多. .达利达利 二十世纪最伟大的超现实主义画家。二十世纪最伟大的超现实主义画家。 1904年5月11日生于西班牙菲格拉斯，1989年1月23日逝世。西班牙超现实主义画家和版画家，以探索潜意识的意象著称。与毕加索、马蒂斯一起被认为是二十世纪最有代表性的三个画家。 他是一位具有卓越天才和想象力的画家 。在把梦境的主观世界变成客观而令人激动的形象方面，他对超现实主义、对二十世纪的艺术做出了严肃认真的贡献。达利的一生充满了传奇色彩。除了他的绘画，他的文章、他的囗才、他的动作、他的相貌、他的胡须和他的宣传才能。他用所有这一切，在各种各样的语言中造就了超现实主义这一个专有名词，去表示一种无理性的、色情的、疯狂的而且是时髦的艺术。达利的生活本身就是一个十足的超现实主义者，以至其它的超现实主义者对他的笃诚和绘画成就，抱有强烈的怀疑态度。主要的证据也许就是他那些绘画，没有人能够否认得了他那无尽的才能、想象能力或者他所显示的强烈信心。达达利利战争的预感战争的预感达达利利永恒的记忆永恒的记忆达达利利哥哥伦伦布布之之梦梦塔希塔希派和派和抽象抽象表现表现主义主义抽象表现主义(Abstract Expression)又称抽象主义，或抽象派。二战后直到20世纪60年代早期的一种绘画流派。抽象派这个字第一次运用在美国艺术上，是在1946年由艺术评论家罗伯特寇特兹Robert Coates所提出的。“抽象表现主义”这个词用以定义一群艺术家所做的大胆挥洒的抽象画。他们的作品或热情奔放，或安宁静谧，都是以抽象的形式表达和激起人的情感。 认为艺术是抽象的，且主要是即席创作的。 从技巧上说，抽象派的最重要的前身通常是超现实主义。超现实主义强调的无意识，自发性，随机创作等概念，在后世被杰克逊波洛克随意溅滴在地板上的油彩画作不断运用。一般认为，波洛克是以马克思爱伦思特Max Ernst的作品为学习对象的。 抽象派之所以能自成一派，原因在于它表达了艺术的情感强度，还有自我表征等特性。这跟表现主义反具象化美学，和欧洲一些强调抽象图腾的艺术学校：如包豪斯，未来派，或是立体主义等，都有呼应。抽象派的画作也往往具有反叛的，无秩序的，超脱于虚无的特异感觉。 它是第一个由美国兴起的艺术运动。美国兴起此艺术运动跟当时纽约想要取代巴黎成为世界艺术中心是有影响的。 也是二战之后西方艺术的第一个重要的运动，享有的地位无与伦比。它是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新的时代的到来。自此之后的一段时期里，西方现代艺术的中心从巴黎转移到了纽约。 杰克逊波洛克（Jackson Pollock）最能显示这一风格在观念上和手法上的特征。自1947年起，他采用了将大幅画布平辅在地上，再在它周围走来走去，把颜料滴溅在画布上的画法。绘画的过程变得像某种祭礼中的舞蹈，他整个身体都在运动。催眠状态般的专心致志和彻底的身心投入，是一幅画形成其独立生命的关键所在。他的作品一旦完成，那些密布画面、纵横扭曲的线条便传达出一种不受拘束的活力，随心所欲的运动感，无限时空的波动以及其内在的力量。 波波洛洛克克波洛克，美国滴彩画大师，被誉为美国历史上最伟大的画家。以独创的自动滴洒技法造就他的传奇画业。波洛克的艺术具有强烈的个人象征与投射，喷洒飞溅的线条是画家精神不安的宣泄，其泼洒的活力也正在反映美国在现代艺坛奔放突破的表现。一手提着颜料桶，一手挥笔向脚下的画布倾注滴洒。他挥霍的不仞是那满洒的漆料，更是一整个西方绘画的传统。从此他将绘画技法及内容作了彻底的改写，亦为现代绘画重新下了崭新的定义。杰克森波洛克(Jackson Pollock,1912-1956) 美国抽象表现主义画家。是二次世界大战以后，在世界范围里新美国绘画的象征。波洛克是抽象表现主义的先驱，是20世纪最有影响力的艺术家之一，以其在帆布上很随意地泼溅颜料、洒出流线的技艺而著称，他的作品往往具有难以忘怀的自然品质。波洛克绘画所创造的神奇效果几乎与他使用的笔和画布毫无关系。他的绘画已经完全替代了创作的本身，是一种近似表演艺术的创作形式。波洛克的油画有着令人愉悦的美，是因为它们与自然界不规则的事物一样符合分形法则。所谓分形，就是部分与整体具有同样的形状。当我们观察海岸线时，会吃惊地发现海岸线的一部分与整个海岸线具有同样的形状，这就是分形，大自然中到处充满了这种分形艺术。 波波洛洛克克波波洛洛克克第第5号号德德库库宁宁威廉德库宁（1904-1997） 1904年4月24日，威廉德库宁（WillemDeKooning）出生于荷兰的鹿特丹市。他14岁就开始在一家商业美术和装饰公司打工，晚上到鹿特丹的艺术和技术专科学校上夜校。1924年，他游览比利时，参观那里的博物馆，并在布鲁塞尔和安特卫普学习。22岁时，他从荷兰移民美国新泽西州，做油漆工。第二年，他来到纽约，靠从事商业美术谋生，并继续作画。在纽约，他结识了终生挚友戈尔基，他俩在一间画室里作画，互相观摩学习，彼此影响。30年代的画坛时尚是立体主义和超现实主义，希特勒上台后，许多德国画家移居纽约，他们带来了抽象绘画和表现主义。德库宁沐浴着这些风潮，逐步形成了自己的个人风格，在纽约画家群中崭露头角。在美国的头十年，他跟从前一样，靠商业美术生活，有时还得干点别的事儿。这样，直到30年代后期，他受雇于纽约世界博览会，担纲任联邦艺术计划的壁画制作。从此以后，他的绘画可以为他带来稳定的收入，他就完全放弃了商业美术，专心于绘画艺术的探索。 1938年，德库宁开始了他的第一个“女人”系列创作。40年代，他成为抽象表现主义阵营的一员健将。1948年他的第一次个人画展确立了他作为当代重要艺术家的声望。 德库宁的创作，集中于抽象、女人和男人这三个系列，而其中，尤以女人系列最出名，它实际上几乎与他的绘画生涯相始终。他把绘画看作体验、表达、实现自由的过程，他以舞蹈表演一般的在旁人看来近乎夸张的激情姿态从事绘画创作，在这一点上，他与波洛克的蹦蹦跳跳是相同的。在他的画面上，不论形象的或抽象的内容，都没有任何的约束，构图、空间、透视、平衡，等等传统绘画技法和审美观念一扫而空。他讨厌一切横加给绘画的束缚，运笔异常大胆，落笔果断坚决，迅猛有力。入选1955年威尼斯双年展的挖掘，评论指出，“色彩又明显地回到了绘画中，那种令人难忘的荷兰女性的粉红、白色和黄色。同时色彩也表示了某种甚至更为性感的东西，被劈开的人体开口处到处是红色，色彩最终给那嵌入的钻石形状赋予一种少有的强度，在这幅画里，观众的眼睛与画中的眼睛融合到了一起。” 德德库库宁宁女女人人与与自自行行车车伊伊夫夫克克莱莱因因 被视为波普艺术最重要的代表人物之一，与沃霍尔（Andy Warhol）、杜尚（Marcel Duchamp）和博伊于斯（Joseph Beuys）一起，并称为20世纪后半叶对世界艺术贡献最大的四位艺术家。 克莱因1928 年4月28日生于法国尼斯，双亲都是画家，父亲搞形象艺术，母亲则玩抽象主义。虽然从小就浸淫在艺术的氛围中，但是克莱因少时的志向，却是要在商船上谋生。除此此外，他还对柔道十分感兴趣，1952年时甚至还去日本学艺，在那里待了一年半，获得黑道四段，算得上是当时欧洲水平最高的柔道高手。回到法国后他开了一家柔道学校，但是他的血管中到底流淌着艺术血液，所以他在训练厅里挂了不少自己的画作。而从这些作品中已经看出他未来在美术上的发展方向：他这时候已经使用单一颜色画画了。1955年，克莱因画了橙色（Monochrome orange），希望能够在“新现实沙龙”（Salon des Realites Nouvelles）中展出，但是却遭到了拒绝。沙龙的评委当时给出了一个十分有意思的拒绝理由：“这幅作品，真的是不太够。如果您能接受至少添上一小道，或者哪怕是一点点别的颜色，我们也说不定会同意展出，但是如果光是一种颜色，不行，不可能的”两年之后，克莱因终于在意大利米兰首次展出了他的蓝色系列。这次他获得了意想不到的承认：“意大利的卡夫卡”迪诺布扎蒂（Dino Buzzati）为他吹捧，在报纸上撰文歌颂；而已经跻身于大师级的冯塔那(Lucio Fontana)对他画作的收购，更是让克莱因获得了国际声名。从此后，克莱因的蓝色获得了一个专门说法，叫做International Klein blue，简称IKB，颜料的配方权掌握在他自己的手里。随后克莱因杀回巴黎，在与他相熟的Iris Clert画廊继续展出他的蓝色系列。在开幕的那天，他找人放了1001个蓝色气球，并将这个举动命名为“空中雕塑”。在此之后，IKB以及行为艺术就成为他短暂的艺术生涯中让世人侧目的标志。他是身体艺术的首创者，曾经找了三个女子，裸露着躺在画布上滚动，号称anthropomtries作画方式。他曾将一幅刚画完但是尚未干透的画作罩在车顶上，以每小时一百公里的时速沿着法国七号国家公路一路往南开，让“速度所产生的风，雨和太阳在表面上留下它们的痕迹”，最后折腾成的画被他命名为宇宙的产生（Cosmogonies）。他还曾从二楼往楼下跳，号称“坠入虚空”。他以火作画，还跟杜尚一样，将各种名画名艺术品用来恶作剧，当然采用的方式是将其“蓝色化”伊伊夫夫克克莱莱因因波波普普艺艺术术西方现代美术思潮。20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写,意即流行艺术通俗艺术波普艺术一词最早出现于19521955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届这是明天的个人展览会（惠特彻派尔画廓）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品是什么使得今天的家庭如此不同往常、如此丰富多采？,这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。 美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。 波普艺术作为对抽象表现主义的叛逆登上了艺术舞台，这也是美国就重要和独特的艺术形 式。代表人物劳森伯格受到作曲家凯奇的影响，试图以一种新的艺术形式来抹平艺术与生活 的区别，艺术家应该自由的反映客观现实，不受传统的约束。他甚至把城市的废弃物作为了 作品材料，把这些本来不具备审美特性的东西按照艺术构思拼凑起来，使之脱离原来的属性 在形式上开了“结合”艺术的先河。汉密尔顿的作品更直接体现了波普艺术的本质，他们并 非对现实的讽刺挖苦或反叛，而只是以一个普通者的姿态观察我们生活的世界。使我们突然 意识到某些东西的存在，而这些习以为常的东西确经常被我们忽略。安迪沃霍与其他波普 艺术家相比显得更彻底，他完全取消了艺术创作中的手工操作观念，直接用制版印刷的方法 把照片形象移到画布上。还应用了古典主义者和现代主义者视为大忌的“重复”，甚至于推 向极端，可口可乐瓶无尽无休的排列，以及明星们的照片都成为了最好的创作主题和素材。 这十分贴切的反映出了后工业时代的特征，现代工业正是这样每天重复着同一样东西。以直 观的艺术形式代替了深奥的艺术。随着后现代艺术的推进，它同我们生活的界限也显得愈来 愈近，可能我们无法意识到，但它作为我们生活和精神的组成部分已无法替代。 沃沃霍霍尔尔 1928年出生于美国的安迪沃霍尔是捷克人的后裔，一个享乐主义者，20世纪波普艺术的最著名代表人物，他“歪曲或包装“过毛泽东，玛丽莲梦露，UV乐队，可口可乐，美元和Channel五号，尤其是他对UV从内容到形式的设计，令这个乐队成了音乐史上唯一可以媲美“披头士“的奇迹，而UV自此就没有停止过他们对这个世界及其文化的影响。安迪华荷的名言是“与其看他们写的书，不如看他们怎么选内衣。安迪沃霍尔生前曾扬言，在潮流急转的世代，再当时得令的人与事也最多只有十五分钟的知名度，潮流寿命还比不上用完即弃的纸尿片或安全套！然而，沃霍尔的破格艺术观仍持续影响“后后后后后后现代“的艺术文化取向，虽然他曾自谦地称：“I dont think my art has any lasting value.“但艺术价值不同艺术价格，它往往超越拍卖行的叫卖，真正的价值在于能刺激和衍生出更多艺术生命。少年时候的沃霍尔已是个锋芒毕露的艺术学生，在师长的鼓励下，决定到纽约这个艺术溶炉一闯。最初只为书刊负责插图设计工作，但很快便在纽约流行艺术界打响名堂，最出众的风格是透过丝网印刷手法和不断重复影像，将人物化成视觉商品，代表作包括玛丽莲梦露、金宝罐头汤、可乐樽、车祸、电椅等，这些作品都在沃霍尔开办的纽约影楼（The Factory）中，经一些业余助手大量生产和复制，massproduction 总是沃霍尔的流行艺术观中不能或缺的指标。至六一年，沃霍尔已被誉为是继Dali及毕加索后另一位前卫艺术界名人，不论是一卷厕纸或一个厕板，只要盖上他的印章，随即便时髦起来！六三年起，沃霍尔的野心转到电影界，执导了一系列实验电影，例如Kiss、Bitch、雀西女郎（The Chelsea Girls）等，题材相当大胆，挑战了不少性别样版战，和打破许多对男人铜体的迷信 63年的Blow Job，全片只是男主角的面部特写，而镜头以外，另一个男人正为他口交；65年的My Hustler在同志性圣（性）地Fire Island拍摄，故事描述两名同志，一个faghag以及一个万人迷之间的欲望纠缠；68年的Flesh以男妓为材，是最早一部谈到男性性工作者的电影；68年的Lonesome Cowboys揭开西部男郎间之情欲面纱；65年的Vinyl是明目张胆的性虐待cult film；Empire一片全长8小时，镜头动也不动的只影着帝国大厦的尖顶，是cult film系列的经典之一。有不少影评人认为安迪沃霍尔不能算是一个真正意义上的导演，他们说的也是事实，因为安迪的不少影片基本上用不着“导演“这个动作，他的摄影机只是对着某个物体，比如一个熟睡的人，比如，帝国大厦，然后就让他的摄影机几个小时，几个小时地运转。不过，他的摄影和导演理念事实上远远地走在了他那个时代，甚至我们这个时代的前面。他把电影手段-特写-发挥到了极限，使之转化成情节和事件，藉此，他恢复了摄影机的原始功能。沃沃霍霍尔尔玛玛丽丽莲莲梦梦露露沃沃霍霍尔尔二百一十个可口可乐瓶二百一十个可口可乐瓶集集合合艺艺术术劳劳森森伯伯格格劳森伯格是一位美国的先锋艺术家，有时他也被认为是新达达主义的艺术家。劳森伯格和约翰斯作画的风格与抽象表现主义一样偏爱巨大的尺寸，但是却对抽象表现主义的超越日常生活的做法不太赞同。劳森伯格在代表作花体字母中将一只山羊标本穿在一个废旧的轮胎中这是他向拼接组合绘画发展的标志；各种废弃的物品粘贴固定在画布上组合成艺术家的作品，这就是他所说的要在艺术和生活的间隙当中进行创作的成果。在他称为“合成绘画”的作品中随处可见废弃物的原料，热衷于选取城市的废弃物为原材料修饰或者不加修饰地直接入画这一作法来源于达达主义杜尚的现成品艺术概念。从柏拉图开始的模仿理念世界的非真实的艺术观念也在波普的冲击下逐渐瓦解，这一挑战始源于劳森伯格的床。劳森伯格把一张真实世界的床带进了美术馆，这件极富争议的作品更能够表达艺术家对艺术传统的反抗与叛逆。约翰斯不同于劳森伯格，他要求自己的化作保持精心修饰的模样，主张严肃对待作品的每一个细节。在他的作品中几乎看不到那种先锋派艺术家常有狂热。他采用一些极为平常的事物和形象作为作品的主题。如他的星条旗系列。他将人们最为熟悉的视觉形象处理得让人们无法再忽视它的存在。正如劳森伯格所说的，绘画是艺术也是生活，两者都不是做出来的东西，而他所要做的正处在两者之间。拼贴、现成的废弃物与日常生活中最熟悉的视觉图像不加修饰地叠加在一起，波普精神就这样诞生了。 劳劳森森伯伯格格床床概概念念艺艺术术自从法国的塞尚、杜桑等“艺术革命家”的具体艺术创作实践行为冲击传统意义上的艺术创作实践后，艺术便在光荣的20世纪呈现出了纷繁多样的形态。概念艺术就是在20世纪60年代中后期出现，并流行于20世纪70年欧美各国的。所谓概念艺术，是指艺术家对“艺术”一词所蕴涵的内容和意义标帜再作理论上的审查，并企图提出更新的关于“艺术”概念界定的一种现代艺术形态。概念艺术又称“观念艺术”。在概念艺术家看来，艺术发展的历史，不全是艺术技巧把玩的历史。故而，应树立全面的艺术观念。艺术技巧中心论，只是19世纪及其以前艺术家的主要观念和行为。艺术就是艺术，艺术从最本质上讲，就是一定观念或蕴含深刻思想的语言表达或交流的行为。所以，现代意义上的就是艺术家，就是要通过自己认为有效的艺术创造实践活动，达到证明艺术就是艺术，而非数学的目的。因此，现代艺术家不再认为艺术技巧优于或高于艺术理论。相反是更进一步明确、坚定了一定的艺术理论观念，对具体的艺术创造实践行为有着最直接、最关键的影响和指导作用。换句话说，现代艺术的各种形态的差异，就是观念与观念之间的差异使然。所以，概念艺术家为了尽可能全面地展示主体内在灵动的心灵，在创作实践中，常常是把创作的具体实践过程与实践行为结果留存一并展示于观众面前。使观众在“检查”创作的全部立体性的艺术创作行为中，对艺术及其作品获得更加全面的认识的读解。概念艺术最著名的艺术家有阿特金、约翰史太托克和约瑟夫卡苏斯（JKOSUTH）等人。其中，尤以卡苏斯最为著名。他于1965年将一把实在的生活用的椅子、一把椅子的摄影照片放大和把字典中关于“椅子”条目的概念诠释文字复印出来，然后把三者用并置的手法，以一把和三把椅子为题展示出来。让观者从椅子的实物开始检查，一直到椅子的概念为止，令观者在慢慢检查审视的过程中在脑海里自然直观和理性地形成关于椅子的完整认识和概念界定。在概念艺术中，除了概念美术外，还有概念音乐。二者的艺术思想是基本相同的。在概念音乐中的表现形态，也是多种多样的。如有音乐演奏会：当演奏者坐钢琴等演奏器前，可以在限定的演出时间内，一个音都不发。目的是让听众在惊奇的静默中，随着时间的流逝，逐渐听到观众自己发出的或是移动脚步的声音、或是交头接耳的忽高忽低的声音、或是风经过剧院窗缝发出的声音等，从而让观者都以十分理性、沉静的思维来思考“音乐”究竟是什么。如果演奏者出了声音，也可能就是一个或“2”或“6”或“4”的音，一直奏到或规定的演出时间完、或是你认为该停下的时候为止。总之，概念艺术家的这些艺术举动，都在于引导观众去认真、重新思考于我们大众早已习以为常的艺术真正的实质该是什么的问题。 博博伊伊于于斯斯印印第第安安纳纳红钻石死字红钻石死字图片上只有一个英文单词图片上只有一个英文单词DIE昂昂卡卡瓦瓦拉拉今日连续日期画今日连续日期画作品上只有作品上只有“1966年年9月月20日日”字样字样超超级级写写实实 亦称“照相写实主义”。1970年发源于美国， 二十世纪六十年代后期逐渐在西方流行。 主张艺术的要素是“逼真”和“酷似”， 必须做到纯客观地、真实地再现现实。 所绘对象尺幅多较巨大，如头像 比原头部大十倍，面部连汗毛孔等都丝毫无 异地画出来，只着重于表现生理细节。所作塑像与真人一般大小，涂上肤色，穿上 衣服，配以道具，极度逼真。题材大都为车祸或殴斗枪杀现场情景。 七十年代起转向再现日常生活中的普通人，如学生、旅行者、超级市场的顾客、流浪汉等。 代表画家为克洛斯(Chuck Close,1940-) 、埃斯蒂期（Richard Estes）、莫利（MaleolmMorley）超级写实主义绘画于20世纪60年代末70年代初首先在美国兴起，并一开始就受到了纽约收藏家们的青睐。尽管批评界和学术团体当时没有对此做出迅速反应，但事实上这一艺术流派已经对他们形成了强有力的冲击，并在西方艺术界获得了巨大的成功。 其实，我们有理由认为，超级写实主义的来由比它的反对者和支持者所分析的要复杂。这种艺术风格既不是简单地或是带有讽刺意义地依赖于照片成像，也不是去理性地看待照相机镜头所传达的影像，而且是一咱对寓意形象本身的追求，至于这咱寓意形象是否包含了强烈的感情和主观因素，西方批评家们对此并没一有致的看法。便有一点是肯定的，超级写实主义艺术家们不仅仅把目光放在照相机所给予他们的东西，这一艺术流派也不是纯粹的现代主义运动的产物，我们甚至可以去考察更早期的美国艺术和欧洲艺术。 克克洛洛斯斯克洛斯是照相写实主义的代表人物。他生于华盛顿，曾就学于华盛顿大学、耶鲁大学、维也纳造型艺术学院。他早先从事抽象表现主义创作时，发现他的作品与别人的作品同出一辙，缺少自己的特点。为了追求自己的视像和观念，他于是转向了画人，且借助照片画人。他从1964年起描绘人像，两年后专以照片为蓝本作画。他调侃道，“抽象表现主义的画家都画得很帅，我就采用最笨的。他们的画用颜色涂得很厚，我就只用黑白，涂得极薄。当然，后来我也用了色彩。” 他终于找到自己，做到了与众不同。克洛斯描绘的对象都是他所熟悉的亲友，他了解他们的音容笑貌、个性心理，但在画面上，不仅人物毫无表情，不传达任何自己的特点，克洛斯也抹去自己的感情，不表露任何倾向。他用喷笔和电动橡皮代替可能泄露个性的画笔，费时耗力地进行他的工作。克克洛洛斯斯约约翰翰克克洛洛斯斯琳琳达达约约翰翰斯斯 约翰斯是波普艺术早期的代表人物，他生于南卡罗来那州，1952年移居纽约。他的画摒弃抽象表现主义那种短暂情感的表现，创造出一种用纯绘画形式、甚至用生活中的实物，精致处理日常现实题材的“新达达”风格。这种风格在波普艺术的发展中发挥了决定性的作用。约翰斯选择美国国旗作为该画的唯一母题。这一母题对于一般的美国公众来说，具有很强的象征意义。“再没有别的社会符号有美国国旗这么强大的抵抗审美转化的力量了。”然而约翰斯偏要坚持说：“这不是旗子。”这不免让人想起马格里特曾在其画着烟斗的一幅画上写下的一句话：“这不是烟斗。”确实，那不是烟斗，而只是一幅画。约翰斯在此所要说的，想必也是这个意思。他在这幅画中，其实是要表现图像与现实之间的那种界限。虽然他以高度写实的技巧把三面旗子描绘得十分逼真，但是它们看上去却似乎很不自然。它们毫无飘动和下垂的感觉，仿佛悬浮在半空。可以看出，它们彼此隔有一定的距离和空间，但是相互间没有任何联系。假如说它们多少还有那么一点动的感觉的话，那就是旗子上的红、白、蓝三色并不是平涂的单色，而是略微地带着起伏波动的效果。人们也许要问，画家是否在为这三面旗子画肖像?这样的肖像，想必只会存在于画家的脑子里。因而，这幅画所描绘的决不是一个真正的现实，而只是一种幻想的现实罢了。当我们第一眼看到这幅画时，怎么也不会想到它会让人有如此奇怪的感觉。 约约翰翰斯斯三面旗三面旗大大地地艺艺术术大地艺术是现代艺术的一种，孕育于上世纪60年代初期，艺术家主要来自美国和英国。在最初的10年内，就蔚然形成一种运动，诞生了一批经典作品。 顾名思义，大地艺术是 指利用大地材料、在大地上创造的、关于大地的艺术。它有两个基本特征，第一个特征是取材并完成于大地。艺术家通常使用来自土地的材料，如岩石、泥土、沙 子、火山堆积物等，或者这些作品就是为了改变地面的自然状态而创造的，通常与自然、土地、大型建筑发生联系，它们很容易毁坏或消失。第二个特征是体量巨 大，是艺术家族中的恐龙，有些作品甚至改变了地貌。这意味着大地艺术无法进入艺术馆和纳入传统艺术体制。 大地艺术最有名的作品 是罗伯特史密森的螺旋防波堤，完成于1970年。艺术家在美国犹他州大盐湖东北角的岸边建造了一个大螺旋形的防波堤，长1500英尺，宽15英尺， 由6.5000吨黑色玄武岩、石灰岩和泥土组成。整个作品的形状，像是蛇一般缓慢地爬入粉红色的湖水中，非常优美。1971年，由于湖水升起，这件作品现 在已经沉没在水下15英尺的地方。 德玛利亚的闪电原野完成于1971年。他在新墨西哥州大片的土地上用400根、每根长6.27米的不锈钢杆，按杆距67.05米的标准，摆成宽列为16根，长列为25根的矩形排列。在6月至9月的雷电季节，这些钢杆便吸引来一道道闪电，形成壮丽的景观。 20世纪下半叶最有创 造力的大地艺术家无疑是克里斯托夫妇。他们一开始就介入了大地艺术，创作了包裹海岸（1969年）、飞篱（1973年）等重要作品。他们迷上了 “包裹”的艺术，1983年的作品包裹岛屿，花费了300万美元，用800万平方英尺闪光的、粉红色的聚丙烯织物围住了11个小岛，把它们变成仿佛浮 在水面的大睡莲。上千人乘坐商用飞机在高空见证了这件作品的美妙。1995年6月17日，克里斯托夫妇的又一件惊世之作包裹德国国会大厦变成了现 实，展示期间，共有400万人观赏了这件令人叹为观止的艺术作品。为此，克里斯托夫妇用了24年的时间，锲而不舍地游说190位德国议员，说服了德国3大 政党中的大多数人，并且不厌其烦地修改方案，耗费了1000多万美元巨资！ 约瑟夫波依斯通常不 被称为大地艺术家，但他的一件作品却具有大地艺术一切的特征，这就是7000棵橡树行动。1982年6月19日，波依斯种下了第一棵橡树，但他 1986年去世时，只完成了5500棵橡树，艺术家的亲属继续种树，并于次年完成这件艺术作品种下第7000棵橡树克克里里斯斯托托克里斯托出生于保加利亚，珍尼克里斯托出生于保加利亚，珍尼 克劳德出生于克劳德出生于法国。法国。19521952年珍尼获突尼斯大学拉丁语和哲学年珍尼获突尼斯大学拉丁语和哲学学士学位；学士学位；1953195319561956年，克里斯托在索菲亚年，克里斯托在索菲亚艺术学院，艺术学院，19571957年在维也纳艺术学院就读。年在维也纳艺术学院就读。19581958年他们在巴黎认识，结成伴侣，年他们在巴黎认识，结成伴侣，19641964年定年定居纽约。居纽约。 19611961年夫妇首次合作，创作了位于科隆港口的年夫妇首次合作，创作了位于科隆港口的“一个公共建筑物的包装一个公共建筑物的包装”和和“堆放着的石油堆放着的石油桶桶”，从此开始了共同创作历程。作品有：伦，从此开始了共同创作历程。作品有：伦敦的敦的“包装一个女孩包装一个女孩”（19621962），米兰的），米兰的VEVE纪纪念碑包装、达念碑包装、达 芬奇纪念碑包装（芬奇纪念碑包装（19701970），德国），德国的的“楼面、窗户及长廊的包装楼面、窗户及长廊的包装”（19711971），美），美科罗拉多州的科罗拉多州的“山谷幕布山谷幕布”（19721972），岛港的），岛港的“海滨海滨”（19741974），在建的），在建的“纽约中央公园的纽约中央公园的大门大门”（19791979），弗罗里达迈阿密的），弗罗里达迈阿密的“被环绕被环绕的岛的岛”（19831983），在日本与美国的），在日本与美国的“雨伞雨伞”（1984198419911991），美科罗拉多州阿肯色河在），美科罗拉多州阿肯色河在建的建的“越河越河”（19921992），德国），德国WKWK博物馆的博物馆的“被被包装的地板、楼梯和窗户包装的地板、楼梯和窗户”（19951995）与柏林的）与柏林的“被包装的议会被包装的议会”（1971197119951995）等。）等。克克里里斯斯托托克克里里斯斯托托史史密密斯斯大地艺术，史密斯：大地艺术，史密斯：螺旋形防波堤螺旋形防波堤特征概括地说，在特征概括地说，在5050年代以后出现的后年代以后出现的后现代主义现代主义有下述特点：有下述特点：企图突破审美范畴，打破艺术企图突破审美范畴，打破艺术与生活的与生活的界限；界限；从传统艺术、现代派艺术的形态学范从传统艺术、现代派艺术的形态学范畴转向方畴转向方法论，用艺术来表达多种思维方式；法论，用艺术来表达多种思维方式；从强调从强调主观感情主观感情到转向客观世界；到转向客观世界；对个性和风格的漠视或敌对个性和风格的漠视或敌视；视；漠漠视作品的独特性，忽视原作的价值，注重作品视作品的独特性，忽视原作的价值，注重作品的复数性的复数性和大量生产；和大量生产；从对工业、机械社会的反感到从对工业、机械社会的反感到与工业机与工业机械的结合；械的结合；主张艺术平民化，大量运用大众主张艺术平民化，大量运用大众传播媒介。传播媒介。史史密密斯斯RobertSmithson，SpiralJetty螺旋形防波堤，螺旋形防波堤，1970年年4月，黑礁石、泥土、盐晶体，美国尤它州（月，黑礁石、泥土、盐晶体，美国尤它州（Utah）大）大盐湖，直径盐湖，直径50米，螺旋长米，螺旋长500米，宽约米，宽约5米）米）欧欧普普艺艺术术欧普艺术（Optical Art）被称为“光效应艺术”或“视幻艺术”，它是继波普艺术之后，在西欧科学技术革命的推动下出现的一种新的风格流派，兴起于西方20世纪60年代。欧普艺术可以称得上是一种挑战人类视觉的智力游戏，可以带领大众进入一个变幻莫测的幻觉世界。当下，这种艺术逐步被应用到家居领域，并被大量应用到墙面装饰中，我们可以想见这样的家居生活该是何等地多彩而丰富。欧普艺术诞生于60年代，匈牙利人瓦沙雷创造了一种新颖的艺术形式。他用黑白两色画出如网状的格子，造成跳劲,凹凸,弯曲,前后等等的错觉，在几何形态构成中，揉进了视觉与光学的特殊效果，形成另人瞬间眩目颤动感的视觉规律，使受众在视觉上产生幻觉和运动感，来加深美的联想与感受。这一形式实际上就是视觉艺术(Ortical Art)，运用几何的线条与色彩，营造视觉谬误或悸动的图案艺术，以线条，色彩和看见为主要的元素。其表征是将活泼而对比鲜明的颜色运用在graphic图案上而呈现出强烈的视觉效果，几何线条和基本样式是外形和式样的主调。黑，白，红，褐等对比鲜明的颜色被广泛地运用。在服装的素材上常以压线，钉扣，刻凹痕等方式处理，使样式更多元化而加强其视觉效果。 欧普艺术使用视觉的，生理的，科学的，数学的手段通过明亮的色彩，造成刺眼的颤动效果，达到视觉上的亢奋。虽然欧普艺术也是以色彩及抽象的造型作为表现的主题，形式上与硬边绘画有一点相识，但是不能吧欧普艺术归类为抽象表现主义。它是一种系统分析的，实验论证的创作过程，是一种理性的探索，不是感性的活动，它发现了一个到目前为止人类还不能完全理解的领域:色彩，造型和视觉，大脑和思维，行为之间有某种关联和问题!它的创作验证了人的视觉有问题。瓦瓦萨萨雷雷里里维克托瓦萨雷里（Victor Vasarely，1908-1997，见图1）是光效应绘画的奠基人之一，也是欧普艺术的杰出代表，被誉为欧普艺术之父。瓦萨雷里出生于匈牙利，在斯洛伐克度过了童年时代，1919年他们举家搬迁到了布达佩斯。1925年中学毕业后他学习了五个学期的医学。但之后的三年时间里他在素有布达佩斯包豪斯之称的桑德尔（Sandor Bortnyik）学院学习绘画和现代艺术。1930年，瓦萨雷里在布达佩斯的Kovacs akos画廊举办了他的第一次个人画展，之后他和妻子卡拉一起到了巴黎。在接下来的3年中，他一直致力于绘画学研究。 瓦萨雷里从二十世纪四十年代起，他便开始研究蒙德里安、康定斯基的作品和理论，并对色彩理论、知觉和幻觉的发展历史进行了思考，从而逐步形成了自己的看法。他认为在外部自然世界中潜藏着一个内部的几何世界，它就象整个自然界的精神语言，将内与外紧密相连。不仅如此，每一块基本的几何形都是色彩的基础，而每一种色彩又概括出不同形状的特征。因此他抛弃了自然界中的基本形态，直截选取标准色彩，并通过几何形在二维平面上的延展，建立起眩目而又迷惑知觉的奇妙空间。他一生都沉迷于线性图案结构，这使他画了一系列深奥的，用各种图形组成图案的主题作品，如：滑稽角色，西洋跳棋，虎，斑马等等。二十世纪五十年代，瓦萨雷里还写了一系列有关如何运用光学现象为艺术服务的宣言。这些宣言与他的作品对年轻的艺术家们有着非常重要的影响。正如瓦萨雷里所说，在最后的分析研究中，纯创作中的实物对我来说像是家庭画作中最后的连线，它仍有着绚烂的美，并自我完结。但它已不仅仅是一幅画了，构成它的色彩与形态仍位于平面之上，但是由它们引发的可塑性却使平面的前部与内部结合在一起。所以这不仅是终点，也是起点，是为将来取得成就而搭建的发射台。瓦瓦萨萨雷雷里里VP-119人人体体艺艺术术又称身体艺术，70年代活跃于欧美的艺术流派。六十年代克莱因已作过人体表演的常识。人体艺术认为人的身体本身就是艺术品，他们用身体作各种各样的尝试。人人体体艺艺术术人人体体艺艺术术伤感行动：法国女艺术家帕奈的“超自然行为”，她在自己手臂上钉一排钉子。另外，还有布里斯利特自己浸泡在含有动物下水、杂肉的浴缸里度过大半周，这件作品被命名为今天什么也没有；博伊于斯用金色树叶盖脸、抱着死兔子表演的如何向死兔子解释艺术。 人人体体艺艺术术尹晓峰城市婴儿：1998年4月，艺术家本人头戴钢盔，嘴戴医用口罩，全身挂满奶嘴，从废弃的华西医大教学楼走出来。警示人们生活不但需要牛奶，而且离不开精神的奶，否则，人就会像城市婴儿一样，在心理上永远不可能成熟而为社会抛弃在废墟中。雕雕塑塑尹晓峰城市婴儿：1998年4月，艺术家本人头戴钢盔，嘴戴医用口罩，全身挂满奶嘴，从废弃的华西医大教学楼走出来。警示人们生活不但需要牛奶，而且离不开精神的奶，否则，人就会像城市婴儿一样，在心理上永远不可能成熟而为社会抛弃在废墟中。摩摩尔尔亨利-摩尔(HenryMoore，1898-1986)曾先后进入利兹美术学校和伦敦皇家美术学院学习，严格的学院派训练使他获得了扎实的雕塑基本功，但真正影响他艺术观念的却是大英博物馆里的埃特鲁利亚、前哥伦布时期的美洲和非洲黑人的雕塑以及当时英国艺术理想家罗杰-弗莱、克莱夫-贝尔等人的美学思想。摩尔把原始艺术对人的生命的热烈追求和表现形式的率真质朴，与现代艺术反对模仿、摒弃再现以及追求形式本身的独立价值的观念结合起来，走上了一条既保持西方传统艺术精神，又具有现代审美品格的艺术之路。 他要表达的永远是一种对生命的温和亲情传统文化基因在摩尔身上的遗传体现在他对人本主义的坚持，落实到雕塑上就是始终将人像作为他作品的中心题材。摩尔说：“我并不认为我们将会脱离以往所有雕塑的基本立足点，那就是人。就我而言，我需要的是组成人像的因素-从这个意义上说，我的作品是具象的。”除了少数雕刻着狗、蛇和绵羊等动物形象的作品之外，摩尔的绝大部分作品都雕刻的是人像。1924年，摩尔模仿前哥伦布时期的印第安雕塑风格创作了第一件母与子雕像，此后，母与子形象便以各种姿态反复出现在摩尔的雕塑作品中，成为他毕生的保留母题。摩摩尔尔斜倚的人物斜倚的人物 摩摩尔尔母与子母与子 布布朗朗库库西西 康斯坦丁布朗库西（Constantin Brancusi, 1876-1957）被公认为是20世纪最具原创性的重要雕塑家。他的作品可以说是对现代主义美学的核心课题造形与材质，作出崭新回应的典型代表，即使是一件座落于罗马尼亚偏远小镇的铁柱作品，也被认为是现代雕塑极致表现的杰作之一。 像吉拉姆阿波里奈尔（Guillaume Apollinaire）、毕卡索、马蒂斯、杜象、胡里欧贡萨雷斯（Julio Gonzalez）、柯特希维特斯（Kurt Schwitters）、曼雷（Man Ray）、蒙德里安、莫迪里安尼、法兰西斯毕卡比亚（Francis Picabia）、艾里克沙提（Erik Satie）、乔艾斯、特里斯坦扎拉（Tristan Tzara）及艾兹拉庞德（Ezra Pound）等前卫主义的领导成员，均异口同声地推崇布朗库西是一位大师级人物，各种风格品味的现代主义团体，像远离理性主义的达达主义份子与风格派（De Stijl）的成员都同样推崇他的作品。 显然他曾影响过不少现代主义的雕塑家与画家，其中包括莫迪里安尼、维廉伦布鲁克（Wilhelm Lehmbruck）、芭芭拉希普沃斯（Barbara Hepworth）、亨利摩尔、费南德雷捷（Fernand Leger）以及大卫史密斯（David Smith）等人。 在他1957年过世之后，受其影响的新一代艺术家如卡尔安德烈（Carl Andre）、唐纳贾德（Donald Judd）、罗伯莫理斯（Robert Morris）以及其他极限主义（Minimalist）雕刻家等，他们如今的成熟表现，更是突显了布朗库西光辉照人的真知灼见。他座落在家乡提古丘（Tirgu Jiu）的大作，更是给予了像克里斯多（Christo）与瓦特德玛利亚（Walter de Maria）等环境雕塑家许多的创作灵感。 布布朗朗库库西西空间飞鸟空间飞鸟布布朗朗库库西西吻吻波波丘丘尼尼翁贝特波丘尼(Umberto Boccioni，18821916)是意大利画家和雕塑家，未来主义画派的核心人物。他不仅是这个运动的推动者，也是这个运动的杰出理论家。他把马里内蒂的思想运用到视觉艺术领域，构思起草了1910年的未来主义画家宣言、未来主义绘画技法宣言及1912年的未来主义雕塑家宣言。在把理论兑为现实的努力方面，他称得上是位天才的未来主义实验者。那些别出心裁的作品，展示了他在绘画和雕塑领域所取得的独特成就。他的理论，从某种意义上说，不仅超越了那个时代，甚至超越了他自己的实验。比如，他认为可以在雕塑中使用更为广泛的材料，“玻璃、木材、硬卡纸板、钢铁、水泥、马鬃、皮革、布料、镜子、电灯等等”，这种非传统物质的使用虽未在其自己的作品中出现过，但在后来的达达主义和构成主义中变为现实。他还提出使用发动机以使某些线条或平面活动起来，这一想法由构成主义实践，至六十年代被广泛运用。如果没有1916年的意外坠马身亡，他也许能把未来主义发展得更远。 波波丘丘尼尼空空间间连连续续的的独独特特形形体体考考尔尔德德亚历山大考尔德（1898.71976.11）出生于美国费城，他的父亲以及祖父都是雕塑家。1919年，考尔德在新泽西州霍普肯史蒂文斯理工学院的机械工程系毕业，打下以后从事活动雕塑的发明与设计的基础。1922年，他去纽约业余学习绘画。翌年，加入了美国“垃圾箱”画派领导的艺术学生联合会。真正从事雕塑，大约是在1926年去巴黎之后。他在欧洲现代派雕塑的鼓舞下，开始用铁丝、木头等来制作玩具动物，把制成的动物组成一个微型“马戏班”，并公开展出，引起了人们的兴趣。接着，考尔德又用金属线制作真人大小的模特儿。1930年，荷兰的蒙德里安画室给了他很大的启示，他开始思考艺术的抽象化问题。19311932年，他创作了许多由机器牵动的雕塑品，受到杜桑的鼓励。至1937年，他为巴黎世界博览会西班牙馆设计了一件水银喷泉，以流注的水银冲击连在旋转杆上的金属板，成为他第一件真正的“活动雕塑”作品。这一件纵横有259290厘米大的活动雕塑虾笼子与活动鱼尾，是他在此基础上于1939年新设计的大型活动雕塑代表作之一。考尔德是美国最受欢迎、在国际上享有崇高声誉的现代艺术家，是20世纪雕塑界重要的革新者之一。他以创作风格独特的“活动雕塑”和“静态雕塑”驰名于世。他的创作领域很广，从巨大的钢铁雕塑、绘画、挂毯到宝石设计，作品分布于世界各国的公共空间。他的静态雕塑，展示日蜻蜓点水的舞姿，他的活动钢铁雕塑，靠风力产生动态平衡，让人着迷。 考考尔尔德德BMW3.0CSL考考尔尔德德考尔德，黑兽，考尔德，黑兽，1940年，金属片、螺钉和油漆年，金属片、螺钉和油漆 贾贾柯柯梅梅蒂蒂贾柯梅蒂被在他出生一百年后与他死亡后的一代人认为是在二十世纪大部分时间里为数不多的占重要地位的现代艺术大师之一。这部百年纪念册在肯定了他的成就的同时，重新审视了他的艺术品，更集中视线于艺术品本身。瑞士出生的阿尔伯特?贾柯梅蒂同时是极富天分的雕刻家、画家和被高度重视的手艺者。书中收集的有他早期受立体派影响和超现实主义的作品，展现出他精湛的绘画技巧，还有他最有名的被拉长的人头像和身体雕塑，这些作品往往带有调皮的幽默和性爱暗示。这本书的三个短文为贾柯梅蒂的作品和复杂的意义层次提供了综合的视点，审视了他的超现实主义年代，和这位艺术家对内部和外部视觉的独特理解。在现代雕塑史上,瑞士雕塑家贾柯梅蒂以其对开放空间结构(open-space construction)的探索确立了独特的现代主义雕塑语言。年轻时他曾经是一个优秀的超现实主义雕塑家,为了表现他亲眼所见的东西，贾柯梅蒂以近十年的隐居生活，苦心孤诣地探索一个最有限的主题-人物和头像,他在最大可能的范围内进行形式的实验。无论单人像或是群像,贾柯梅蒂独特的火柴杆式的人物展示了一种人类精神的影像,尽管孱弱无助,但却直直地挺立着；尽管伤残而犹疑,但却行进着寻找着.它几乎已始终不变地被作为现代人孤独感的完美写照。 贾贾柯柯梅梅蒂蒂贾贾柯柯梅梅蒂蒂贾贾柯柯梅梅蒂蒂二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典|无法否认20世纪是建筑艺术上最丰富多彩的100年，尽管其中不乏丑陋、怪诞、无聊甚至一无可取的糟粕，但无法掩饰的是，本世纪的世界建筑群星璀璨，绚丽多姿。因为我们看到，在20世纪的100年里，古典复兴派、新理性主义、当代乡土派、后现代派、简洁派、前卫派、新表现派、解构派、高技派、生态派、仿生派，以及建筑类型学、建筑现象学、行为建筑学等等学派与理论不断出现。他们留下的林林总总的高层建筑、大跨度建筑、智能建筑、生态建筑、仿生建筑，让我们看到了新的科学技术所创造的建筑奇迹，更看到了新的技术美学观正在新时代中逐渐成长。 |建筑现代化发端于19世纪，在20世纪得到成熟及扩展。尤应指出的是，20世纪有一批倡导改革的建筑师，屹立起无数建筑经典。所以我们认为，创新与发展是20世纪建筑创作的主旋律，也应成为人类应特别把握并借鉴的建筑经典。建筑是科学与艺术的结合，它往往反映出明显的时代特征及艺术品质，无论是科学与艺术结合好的，还是或科学或艺术的单体杰作，都是20世纪极具代表性的作品，本书都作了遴选。限于篇幅及选取原则的非权威性，本书举例的仅仅是一种探索及示范，未被收录的肯定是绝大多数，不妥之处，还请同行指正。下面以清华大学吴焕加教授在回顾20世纪的建筑一文中用32个字所作的描述作为对本世纪建筑辉煌的概括：“推陈创新，全面跃进，百花争妍，百家争鸣；曲折演变，持续出新，同而求异，多而流行。” 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典 C.P.S.百货公司大厦，美国芝加哥（18991904年） 建筑师： L.H.沙利文 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典C.P.S.百货公司大厦，美国芝加哥（18991904年） 建筑师： L.H.沙利文 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典赫尔辛基火车站，芬兰（赫尔辛基火车站，芬兰（1906190619161916年）年）建筑师：建筑师：E.E.沙里宁沙里宁 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典米拉公寓，西班牙巴塞罗那（米拉公寓，西班牙巴塞罗那（1906190619101910年）年） 建筑师：建筑师：A.A.高迪高迪 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典米拉公寓，西班牙巴塞罗那（米拉公寓，西班牙巴塞罗那（1906190619101910年）年） 建筑师：建筑师：A.A.高迪高迪 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典林肯纪念堂，美国华盛顿（林肯纪念堂，美国华盛顿（1919191919221922）建筑师：建筑师：H.H.培根培根 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典斯德哥尔摩市政厅，瑞典（斯德哥尔摩市政厅，瑞典（1909190919231923年）年）建筑师：建筑师：R.R.奥斯特柏格奥斯特柏格二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典斯德哥尔摩市政厅，瑞典（斯德哥尔摩市政厅，瑞典（1909190919231923年年建筑师：建筑师：R.R.奥斯特柏格奥斯特柏格 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典施罗德住宅，荷兰乌德勒支市（施罗德住宅，荷兰乌德勒支市（19241924年）年） 建筑师：建筑师：G.G.里特维德里特维德 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典包豪斯校舍，德国（包豪斯校舍，德国（19261926年）年） 建筑师：建筑师：w.w.格罗皮乌斯格罗皮乌斯 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典萨伏伊别墅，法国普瓦西（萨伏伊别墅，法国普瓦西（1928192819301930年）年） 建筑师：勒建筑师：勒柯布西耶柯布西耶 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典 巴塞罗那博览会德国馆，西班牙（巴塞罗那博览会德国馆，西班牙（19291929年）年） 建筑师：密斯建筑师：密斯凡凡德德罗罗 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典纽约帝国州大厦，美国（纽约帝国州大厦，美国（19311931年）年） 建筑师：建筑师：S.L.H.S.L.H.建筑事务所建筑事务所 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典流水别墅，美国（流水别墅，美国（19351935年）年） 建筑师：建筑师：F.L.F.L.赖特赖特 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典马赛公寓，法国（马赛公寓，法国（1946194619521952年）年） 建筑师：勒建筑师：勒柯布西耶柯布西耶 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典联合国总部大厦，美国纽约（联合国总部大厦，美国纽约（1946194619521952年）年） 建筑师：建筑师：w.K.w.K.哈里森哈里森 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典朗香教堂，法国（朗香教堂，法国（1950195019531953年）年） 建筑师：勒建筑师：勒柯布西耶柯布西耶 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典西格拉姆大厦，美国纽约（西格拉姆大厦，美国纽约（1954195419581958年）年） 建筑师：密斯建筑师：密斯凡凡德德罗罗 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典代代木国立室内综合体育馆，日本东京（代代木国立室内综合体育馆，日本东京（19641964年）年） 建筑师：丹下健三建筑师：丹下健三 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典悉尼歌剧院，澳大利亚（悉尼歌剧院，澳大利亚（1959195919731973年）年） 建筑师：建筑师：J.J.伍重伍重二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典纽约世界贸易中心，美国（纽约世界贸易中心，美国（19731973年）年） 建筑师：山琦实建筑师：山琦实 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典蓬皮杜艺术与文化中心，法国巴黎（蓬皮杜艺术与文化中心，法国巴黎（19771977年）年） 建筑师：建筑师：R.R.罗杰斯和罗杰斯和R.R.皮亚诺皮亚诺 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典国家美术馆东馆，美国华盛顿（国家美术馆东馆，美国华盛顿（19781978年）年）建筑师：贝聿铭建筑师：贝聿铭 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典香港汇丰银行大厦，中国（香港汇丰银行大厦，中国（19851985年）年） 建筑师：建筑师：N.N.福斯特福斯特 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典伦敦劳埃德大厦，英国（伦敦劳埃德大厦，英国（1979197919861986年）年） 建筑师：建筑师：R.R.罗杰斯事务所罗杰斯事务所 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典卢浮宫扩建工程，法国巴黎（卢浮宫扩建工程，法国巴黎（19881988年）年） 建筑师：贝聿铭建筑师：贝聿铭 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典香港中国银行大厦，中国（香港中国银行大厦，中国（19891989年）年） 建筑师：贝聿铭建筑师：贝聿铭 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典太阪光的教堂，日本（太阪光的教堂，日本（19891989年）年） 建筑师：安藤忠雄建筑师：安藤忠雄 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典毕尔巴鄂古根海姆美术馆，西班牙（毕尔巴鄂古根海姆美术馆，西班牙（1995199519971997年）年） 建筑师：建筑师：F.F.盖里盖里二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典香港新国际机场，中国（香港新国际机场，中国（19981998年）年） 建筑师：建筑师：N.N.福斯特事务所福斯特事务所 二二十十世世纪纪建建筑筑经经典典|“现代主义建筑”的典型代表作，集中反映其几个重要特征：1、重视建筑物的使用功能；2、注意发挥新型建筑材料和建筑结构的性能特点；3、强调经济性；4、强调建筑形式与内容；5、空间是建筑的主角；6、废弃表面外加的建筑装饰，认为建筑美的基础在于建筑处理的合理性和逻辑性。| 1851年第一幢全国结构，英国水晶宫的建造揭开了现代建筑的序幕。经过19世纪建筑技术革命性的发展和钢材、砼等新材料的运用，有关建筑所有的想法都似乎成为可能，自古罗马时代维持鲁威所设立的“坚固、实用和美观”三位一体的建筑美学基本观念第一次受到了严峻的挑战。新技术拓展的平面使这个时代的建筑师重新去认识建筑本身的内涵，使这个课题成为了观念的战场。当代著名的建筑评论家，美国哥伦比亚大学教授弗兰普顿（Kenneth Frampton）说过“现代建筑的历史不仅是建筑自身物质意义上的，也是对其重新认识和争辩的历史。”新观念的建立、争辩和发展不仅可以说是贯穿整个20世纪，而且仍然在发展和进步。|美国加州 建筑师住宅盖瑞 1978年“解构派”的最早代表作。“解构”顾名思义是对建筑固有逻辑和结构系统进行拆散和重新组合，有意造成人们视觉上的混乱。|这个世纪比以往任何一百年都创造了更多的主义和风格：从构成主义到表现主义，从功能主义、国际风格到新的粗野主义、后现代主义和解构主义；也集中反映了许多派别对建筑观念的挑战和观念的探索，如芝加哥学派、维也纳学派、未来学派、风格派、包豪斯学派等；更造就了一代又一代的杰出又个性鲜明的天才建筑师。如：第一代的赖特（Frank Lloyd Wright）、勒柯布西耶（Le Corbusier）、密斯（Mies Van de Rohe）、格罗皮多斯；第二代的贝聿铭、路易康；第三、四代的诺曼福斯特、盖瑞、冉库浩斯等。可以说：20世纪的建筑在新技术的带动下不断更新，以一种充满刺激和挑战、令人激动的艺术形式，又重新回到人们的视野和生活里。由于社会、经济和文化之间的冲击，建筑在一定意义上超越了其结果本身，它代表了新的生活观念和时尚，甚至可以成为政治武器。就这噗而言，这百年建筑的发展所带来的影响正是本世纪初法国著名建筑师勒柯布西耶提出的社会工程学所致力追求的目标。